20 красивых фильмов, которые получили «Оскар» за костюмы

Впервые «Оскар» художнику по костюмам был вручен в 1948 году. Как тогда, так и сейчас критериями отбора в этой номинации служат масштабность, трудоемкость работ и конечно же их драматургическая ценность. Предлагаем рассмотреть самые яркие оскароносные наряды и узнать детали их создания. «Место под солнцем» «Оскар» 1952 года. Художник по костюмам: Эдит Хэд. С точки зрения изучения истории моды этот фильм – просто клад. Во-первых, по сюжету главный герой Джордж Истмен – паренек из глубинки – устраивается работать к своему дядюшке на фабрику по производству купальников. Благодаря этому мы можем увидеть, как на самом деле в 50-е годы выглядели женские купальные костюмы. Во-вторых, один из вариантов этого самого купальника 50-х демонстрирует нам сама Элизабет Тейлор, с героиней которой у парня завязывается роман. Примечательно и то, что наряды для Элизабет Тейлор в этом фильме делала знаменитая Эдит Хэд, которая сегодня признана самым выдающимся художником по костюмам Голливуда. Еще бы, ведь в копилке этой женщины целых 8 «Оскаров» и 35 номинаций. Именно с ее легкой руки на красавице Анджеле Викерс, которую играет Лиз, появилось шикарное платье, ставшее после выхода фильма предметом вожделения всех девушек в США. Оно получило название «буфон» и после премьеры картины продавалось под именем Эдит Хэд. Дизайнер таким образом спроектировала платье, что все прелести фигуры Элизабет Тейлор стали еще более очевидными. Лиф без бретелей получил дополнительный объем благодаря декорированию искусственными цветками. На контрасте с роскошным декольте осиная талия Тейлор стала выглядеть еще более тонкой. После совместной работы над этим фильмом у актрисы и модельера завязалась долгая и тесная дружба. Позже Хэд не раз одевала Тейлор и в кино, и для светских выходов. «Сабрина» «Оскар» 1955 года. Художник: Эдит Хэд и Юбер Живанши. С точки зрения моды фильм «Сабрина» с Одри Хепберн в главной роли интересен тем, что именно с него начались сотрудничество и теплая дружба кинодивы и модельера Юбера Живанши. После «Римских каникул» Хепберн уже была настоящей звездой, пользующейся правом самостоятельно выбирать художника по костюмам для работы над своими нарядами. Актриса лично приехала в модный дом Givenchy на авеню Альфреда де Виньи в Париже, чтобы познакомиться с будущим великим кутюрье. Тогда 26-летний Живанши еще не был широко известен. Поскольку модельер тоже не знал, кто такая Одри Хепберн, ведь на тот момент «Римские каникулы» во Франции еще не вышли, он решил не тратить время на индивидуальный пошив платьев для нее. Живанши предложил актрисе выбрать что-то из его только что вышедшей коллекции. Звезда согласилась. Ей хотелось, чтобы наряды Сабрины были пронизаны парижским шиком. В итоге личным кутюрье главной героини стал Юбер Живанши. Так в гардеробе Сабрины появились несколько вещей, которые стали позже визитными карточками стиля Одри Хепберн. Во-первых, Живанши предложил актрисе ставший после фильма знаменитым четырехугольный вырез, который позже начали называть «вырез Сабрины». Благодаря такому крою звезде удавалось скрывать выпирающие ключицы, из-за которых она сильно комплексовала. Наряды Сабрины после ее поездки в Париж и прочие костюмы разрабатывала известная художница, которая на сегодня имеет целых восемь «Оскаров» за дизайн костюмов, Эдит Хэд. Юбера Живанши создатели кино даже не упомянули в титрах, поэтому модельер не смог разделить награду с Эдит. Одри очень расстраивалась, что все вышло так несправедливо. Однако кутюрье всегда подчеркивал, что приобрел в процессе этой работы гораздо большую награду – дружбу с блистательной Одри Хепберн. «В джазе только девушки» «Оскар» 1960 года. Художник по костюмам: Орри-Келли. Для этой чудесной комедии «Оскар» за костюмы стал единственной полученной статуэткой. Награда эта досталась одному из самых известных модельеров того времени – Орри-Келли, который работал с Мэрилин Монро не только на площадке, но и в жизни. В частности, его изобретением для Мэрилин стали «голые платья», которые она демонстрировала не только на экране, но и в рамках светских выходов. Из-за обнаженных платьев Мэрилин вокруг фильма, кстати, разгорелся скандал. В некоторых странах его даже запретили за аморальность, поскольку на актрисе явно под платьем не проглядывало никакого нижнего белья. При этом все нападки были совершенно напрасными. Творения Орри-Келли были снабжены бельем, вшитым между слоями ткани. Если присмотреться, то на спине Мэрилин можно заметить едва заметные полосы в области крепления лифа. Однако создатели картины, чтобы еще больше подогреть интерес публики, не спешили разубеждать общественность по вопросам аморальности нарядов. При всей блистательности есть в этих костюмах и один существенный минус. Дело в том, что события происходят в 1920-е годы. Мода того времени диктовала женщинам носить платья прямого кроя с заниженной талией. Однако соблюдение тенденций мы видим только в гардеробах Джозефины и Дафны. Оно и понятно – на мужских фигурах такие наряды явно смотрелись лучше, чем приталенные. А вот для Мэрилин соблюдение исторических реалий было невыгодным. Создатели картины хотели проэксплуатировать ее прелести по максимуму, поэтому решили не отходить от классической схемы и заказали Орри-Келли сплошное облегание. Чтобы наряды сидели идеально, модельер зашивал их на Монро прямо на съемочной площадке. «Клеопатра» «Оскар» 1964 года. Художник по костюмам: Ирен Шарафф, Витторио Нино Новарезе, Рении. Этот фильм не был признан кинематографическим шедевром в целом, но ради костюмов его действительно стоит посмотреть. Над ними трудилось сразу несколько художников, а Элизабет Тейлор одевала лично знаменитая Ирен Шарафф. Разумеется, наряды Клеопатры не имеют никакого отношения к одежде Древнего Египта, это чистой воды стилизация, но, чего не отнять, стилизация качественная и очень дорогая. Всего на костюмы для фильма было потрачено 195 000 долларов. Количество костюмов составило более 25 тысяч. Сама главная героиня имела настолько обширный гардероб, что его даже занесли в 1996 году в Книгу рекордов Гиннесса. Категория называлась «Самое большое количество переодеваний актрисы в кино». Тейлор по ходу сюжета меняла платья 65 раз. Еще раз оговоримся, что к истории все это никакого отношения не имеет, — египтянки не носили приталенные платья и вообще сшивать одежду не умели. Но в данном случае создатели картины хотели изваять некий собирательный образ, который бы завладел умами масс и стал предметом подражания. Образ Клеопатры в исполнении Тейлор действительно запал в душу, причем не только мужчинам, но и женщинам. После выхода фильма началась мода на все «египетское». Дамы стали стричься под Клеопатру, красить такие же густые стрелки. Подражать костюмам было сложно, ведь это были не платья, а настоящие произведения искусства. Чего стоит один только золотой наряд, в котором царица Египта входит в Рим. Это платье сшито из 24-каратной золотой ткани. «Моя прекрасная леди» «Оскар» 1965 года. Художник по костюмам: Сесил Битон. В этом фильме Одри Хепберн, также как в «Сабрине», играет настоящую Золушку. Разумеется, переодевания из лохмотьев в шикарные наряды тоже присутствуют. Автором этих костюмов стал легендарный Сесил Битон, который был не только известным художником, но и фотографом. Он делал снимки Коко Шанель, Марлен Дитрих и официальные фото английской королевской семьи. Сразу ясно, что со вкусом у него было все в порядке. Битон работал над костюмами в бродвейском мюзикле «Моя прекрасная леди». Поскольку постановка имела огромный успех во многом благодаря спроектированным им нарядам, художника позвали работать и над киноверсией. Самое интересное в области платьев начинается, разумеется, когда из малограмотной цветочницы с плохими манерами Элиза Дулитл становится светской леди. Первый ее выход в свет в новом качестве происходит на скачках в Аскоте. При этом кроме Одри для этой сцены нужно было шикарно одеть порядка 500 женщин. Битон выбрал в качестве образца архивные снимки со скачек «Черный Аскот» 1910 года. Это были первые скачки после смерти Эдуарда VII. Тогда все леди и джентльмены в честь траура были одеты исключительно в черно-белую гамму. Художник решил оставить эту элегантную картинку, но сделать акцент не на черный, а на белый цвет. Самым шикарным из этих черно-белых нарядов стало платье самой Элизы. Оно было сделано из белого кружева и отделано черными бархатными лентами. Яркими акцентами в соответствии с модой тех лет стали зонтик и невероятного размера шляпа. Наряды были сделаны нарочито шикарными. Создатели картины не жалели на них средств, так как хотели погрузить зрителя в иллюзорный мир роскоши. Это им удалось. Черно-белое платье Элизы считается одним из самых шикарных платьев, которые когда-либо создавал Сесил Битон. «Ромео и Джульетта» «Оскар» 1969 года. Художник по костюмам: Данило Донати. Экранизация «Ромео и Джульетты» 1968 года по сей день выделяется большинством критиков как наиболее удачная за всю историю кинематографа. И костюмы, созданные Данило Донати, играют здесь далеко не последнюю роль. Многие из нарядов по праву можно считать произведениями искусства. При этом нельзя поставить под сомнение и их историчность. По эскизам художника в легендарном ателье братьев Церретелли во Флоренции были воссозданы оригинальные костюмы эпохи Возрождения. С технической точки зрения эти костюмы были сложны как для производства, так и для последующей эксплуатации. Некоторые платья Джульетты, изготовленные из бархата, парчи, украшенные массивными галунами, весили порядка 40 кг. Но мучения оказались не напрасными. Чего стоит одно только погребальное платье Джульетты. Оно усыпано сотнями жемчужин, которые напоминают застывшие слезинки… Цвет также играл далеко не последнюю роль в драматургии костюмов. Для Капулетти, славящихся горячей кровью, художник использовал теплые цвета – красный и оранжевый. Их антагонисты Монтекки одеты в холодный голубой и мрачный коричневый. Красное платье Джульетты кроме родовой принадлежности выдает страсть, которая получила выход наружу. Это бархатное алое платье символизирует любовь. «Великий Гэтсби» «Оскар» 1975 года. Художник по костюмам: Тиони В. Олдридж. Эта экранизация бессмертного произведения Скотта Фицджеральда считается одной из самых удачных. По крайней мере, с точки зрения костюмов ее относят буквально к эталонным. Еще бы, ведь образы героев здесь создавались известнейшей художницей Тиони В. Олдридж в сотрудничестве с дизайнером Ральфом Лореном. Кстати, после получения фильмом «Оскара» за дизайн костюмов между кутюрье и костюмером произошел конфликт. Лорен обиделся, что его не упомянули в числе создателей костюмов, а Олдридж заявила, что в данном случае он выступал лишь как портной, на место которого она могла выбрать кого угодно. На самом деле все было так – режиссер Джек Клейтон определился с художником по костюмам всего лишь за два месяца до начала съемок. Поскольку время поджимало, Олдридж согласилась взглянуть на работы тогда еще молодого дизайнера Ральфа Лорена. Его мужские костюмы и трикотаж пришлись Тиони по душе. Таким образом, мужских персонажей одели частично от Ральфа Лорена. Собственно, для фильма Лорен сшил только лишь марципановый костюм Гэтсби, остальное было взято из его готовой коллекции «Polo 74». Женские наряды изготавливались художницей Барбарой Матера, шляпки – маркой Woody Shelp, а украшения здесь от Cartier. Если относительно производства нарядов еще могут быть споры о роли Олдридж и Ральфа Лорена, то за их идейное наполнение свой «Оскар» художница получила явно заслуженно. Ей нужно было передать через костюмы всю эфемерность и легкость жизни аристократии 1920-х годов. Добиться этого эффекта Олдридж смогла благодаря карамельно-пастельным оттенкам и легким фактурам платьев. В своих платьях Дейзи похожа на бабочку, что полностью отражает суть героини. Гэтсби же, впервые появляясь в кадре, одет в более мрачные, земные оттенки – коричневый и черный. Это символизирует то, что деньги ему достаются вовсе не с неба, он их зарабатывает трудом. Однако, близко сходясь с Дейзи, герой меняет свою одежду. На нем появляется марципановый пиджак (именно тот, что сшил Ральф Лорен). Это символизирует желание Гэтсби стать частью ее мира. «Звездные войны. Эпизод IV: Новая надежда» «Оскар» 1978 года. Художник по костюмам: Джон Молло. Всем известно, что идея космической саги родилась у Джоржа Лукаса еще в студенческие годы, после чего в течение многих лет постепенно оформлялась и вырисовывалась. Визуализировать наброски режиссеру помогал известный художник Ральф Маккуорри. Позже, когда уже было принято решение о старте съемок, художником-постановщиком стал Джон Барри, который лично нарисовал множество деталей интерьеров и сделал наброски внешнего вида героев. Реализовывать все это в соответствии с задумками пришлось двум людям – костюмеру Джону Молло и гримеру Стюарту Фриборну. Их приняли на работу в декабре 1975 года. Стюарт Фриборн попал на картину благодаря своей работе в фильме «Омен». Лукасу понравилось, какими правдоподобными получились изготовленные им для одной из сцен собачьи головы. Этот навык Стюарта отлично пригодился при воспроизведении обезьяньей головы Чубакки. В результате на этого персонажа у гримера ушел целый месяц работы. Художник Джон Молло был выбран Лукасом, так как увлекался темой военного обмундирования и даже написал в этом направлении ряд книг. Позже Молло признался, что такое предложение вдохновило его, но от объема работ он пришел в ужас. Процесс создания костюмов начался с того, что Молло, наняв модель, пошел по костюмерным студиям в поисках хоть чего-то, что может послужить для его дела. Так были найдены элементы костюма Дарта Вейдера: кожаный мотоциклетный костюм, нацистская каска, противогаз и средневековый монашеский плащ. С точки зрения драматургии костюмов тут у Молло была простая задача. Лукас хотел отразить идею борьбы добра и зла очень прямолинейно – через сочетание белого и черного цветов. Люк – в белом, Дарт Вейдер – в черном. Надо сказать, что основную работу по визуализации в своих картинах сделал Ральф Маккуорри, поэтому после получения Джоном Молло «Оскара» за костюмы многие обвиняли художника в том, что он должен был разделить награду с коллегой. «Опасные связи» «Оскар» 1989 года. Художник по костюмам: Джеймс Эчисон. Роман «Опасные связи» Шодерло де Лакло увидел свет в 1782 году и стал настоящим бестселлером своего времени. Страсти, интриги, любовь и смерть – все это не могло оставить равнодушными женские сердца. Востребованными стали и экранизации романа, ведь кроме сюжета для современных женщин в этой истории есть еще один неоспоримый плюс: она происходит на фоне XVIII века – самого шикарного времени в истории европейского костюма. Наиболее удачно наряды эпохи рококо переданы в знаменитой экранизации Стивена Фрирза. Этот фильм, без сомнений, может претендовать на роль пособия по истории моды XVIII века. Художник по костюмам скрупулезно воссоздал великолепие дамских нарядов. На героинях мы видим шикарные корсетные платья-панье. Такой крой предполагает очень-очень широкую юбку, объемы которой достигались за счет специального каркаса. Спереди и сзади такие платья были плоскими. Наряды также предполагали наличие глубоких вырезов, обрамленных воротниками. Особое внимание уделялось декорированию, причем не только нарядов, но и причесок. Всевозможные шляпки были на пике моды. Все это можно увидеть на героинях «Опасных связей». Идейное наполнение платьев передается через игру цветов. В момент заключения коварного пари злодейка Мертей в исполнении Гленн Клоуз облачена в такой же розово-золтой наряд, как и Вольмон. Когда разногласия между ними нарастают, костюмы начинают спорить по цветам. Юная жертва совращения Сесиль на протяжении всего фильма упаковывается художником в цветочно-наивные ткани. Кстати, как и другая до поры благочестивая героиня – Трувель (Мишель Пфайффер), которую Вольмон также совращает. «Дракула» «Оскар» 1993 года. Художник по костюмам: Эйко Исиока. Какими были вампиры и их возлюбленные до «Сумерек»? Чтобы узнать это, нужно увидеть киноверсию романа Брэма Стокера «Дракула». В прочтении Франсиса Форда Копполы, правда, появилось много привнесенной романтики, но сильно фильм от этого не проиграл. Эту картину можно назвать классикой готического кино о вампирах со всеми необходимыми визуальными атрибутами. Чтобы их создать, постаралась японка Эйко Исиока. Особенное место в этой истории отведено красному цвету, который символизирует сразу две страсти – жажду крови и не менее сильную жажду любви. Алый цвет появляется с самых первых кадров, когда молодой адвокат в исполнении Киану Ривза знакомится с загадочным графом Дракулой. Тот одет в атласный кроваво-красный халат. Наверное, расшифровывать послание художника в данный момент не нужно. В следующий раз мы видим этот зловещий цвет, когда Драула совращает юную девицу Люсиль. Девушка приходит к нему свидание в развевающемся красном платье – страсть и кровь. Третье появление этого цвета становится судьбоносным. В красном платье Мина приходит на свидание с загадочным принцем. В этот момент девушка попадает под влияние графа. Но не только красный цвет, несмотря на его драматично-символичную роль, Эйко Исиока призвала себе на помощь. Чтобы показать целомудренный и рассудительный характер Мины, художник в первой части фильма одевает ее сплошь в зеленый, который, как известно, считается цветом мудрости. Впуская графа Дракулу в мир людей, Эйко рисует ему полностью серый наряд, в котором просто слиться с толпой. Но, чтобы показать, что такой персонаж с нею слиться просто не может, она добавляет к образу необычные детали, например темные очки. «Титаник» «Оскар» 1998 года. Художник по костюмам: Дебора Линн Скотт. Перед Деборой Линн Скотт режиссер поставил сложную задачу – ей следовало достоверно визуализировать эпоху, так как фильм содержит исторические реалии, ее костюмы должны были отражать характеры героев и иллюстрировать перипетии их судеб, и плюс к этому платьям, фракам и шляпкам предстояло пережить суровые условия съемок. По всем пунктам Дебора справилась великолепно. Прежде чем приступить к работе, художница прочла массу литературы по эдвардианской моде – 1910−1914 гг. Она провела немало часов и даже дней в архивах, где изучала фотохронику. В результате одежда в фильме выглядит настолько достоверно, что складывается впечатление, будто Дебора просто взяла эти наряды в музее напрокат. На самом деле никто бы не позволил так обращаться с ценными экспонатами, ведь некоторые костюмы создателям кино пришлось буквально утопить. К примеру, лиловое платье Розы, в котором она появляется в момент начала катастрофы, Деборе пришлось исполнить в нескольких вариантах, ведь от соленой воды наряд от кадра к кадру сильно страдал. Как мы уже оговорились, крой платьев, а также все акссесуары воссозданы весьма реалистично. В Эвардианскую эпоху женщины носили корсет, но он уже был гораздо более незаметный под одеждой, нежели ранее. В начале XX века крой юбки был прямым, а сзади она снабжалась шлейфом. Отличительной чертой моды того времени были невероятных объемов шляпы, которые обильно декорировались. Все это мы видим в гардеробе Розы. Цвета ее нарядов рассказывают нам о девушке все то, что она тщательно пытается скрыть. К примеру, ее красное платье, покрытое черным кружевом в сцене знакомства с Джеком, символизирует страсть, которая скована мрачными обязательствами. Как мы знаем, на «Титанике» Роза едет на свою свадьбу с холодным и расчетливым женихом, которого не любит. Зато в момент влюбленности, после ее близости с Джеком, девушка облачается в легкий розово-лиловый наряд с минимальным декором. Так художник намекает нам на то, как легко и радостно стало у нее на душе. «Мулен Руж» «Оскар» 2002 года. Художник по костюмам: Кэтрин Мартин, Энгус Стрэтай. Мюзикл о самой шикарной крутизанке Парижа, танцующей в самом знаменитом ночном клубе этого города, просто не мог быть снят без огромного бюджета на изготовление костюмов. Всего для фильма было сшито 300 костюмов, над которыми, не покладая рук, трудились 80 костюмеров. Произведениями искусства можно назвать все без исключения наряды, но для главной героини Сатин, конечно, было изготовлено нечто особенное как в области одежды, так и в плане ювелирных украшений. Режиссер картины Баз Лурман, который спустя десять лет снимет не менее фееричный с точки зрения нарядов «Великий Гэтсби», решил на образе Николь Кидман не экономить. В этом его убедил ювелир Стефано Кантури, которого Лурман пригласил в проект. Для Сатин было создано немало шедевров ювелирного искусства, главным из которых стало колье «Сатин». Это подлинник, который на момент съемок стал самым дорогим киноукрашением в истории. Изделие включает 1308 бриллиантов, которые весят 137 каратов. Оценивалось оно в то время примерно в 1 млн долларов. Чтобы изделие выглядело исторично, Кантури отказался от современных методов ювелирного дела и использовал те, что были в ходу 100 лет назад. В результате работа растянулась на четыре месяца. Гардероб Сатин выполнен в классических драматичных тонах. В ее образах встречаются все главные цвета соблазна – красный, черный и белый. Они приходят на смену друг другу в зависимости от того, в каком настроении находится героиня и на каком этапе развития сюжет. Блеск при этом сопровождает Сатин всегда. Если она снимает концертные блестки, то облачается в атласные ткани, не изменяя своему статусу звезды никогда. Недаром ее в фильме называют «Сверкающий бриллиант». Надо сказать, что, сняв этот фильм, Баз Лурман возродил позабытый жанр мюзикла в Голливуде. Именно этот фильм проложил дорогу снятому в следующем году «Чикаго», который также получил «Оскар» за дизайн костюмов. «Чикаго» «Оскар» 2003 года. Художник по костюмам: Коллин Этвуд. Фильм получил 6 золотых статуэток из 30 заявленных. Награда за дизайн костюмов досталась мюзиклу трудами художника Колин Этвуд. Ей удалось не только проиллюстрировать при помощи костюмов характеры героев, но и воссоздать довольно натуральную картинку Чикаго 1920-х годов. На сцене мы видим Рокси и Вэлму в роскошных платьях, которые сильно открывают ноги и снабжены бахромой. Все это имеет прямое отношение к моде, ведь именно в это время женщины начали открывать лодыжки. Правда, в жизни так сильно барышни все-таки не обнажались. Однако это сцена кабаре, предполагающая разного рода вольности. На девушках мы также видим весьма аутентичную тому времени обувь – туфли на невысоких каблуках с перемычками. В повседневной жизни дамы одеты абсолютно по моде – они носят просторные платья, манто, шляпки. Как главные героини, так и второстепенные персонажи имеют стрижки «каре», «гарсон» или укладку «волна». На шее у них нитки жемчуга, которые часто свешиваются на спину. Такое соблюдение исторических деталей особенно приятно видеть в жанре, от которого блюсти подобные нюансы в первую очередь не требуется. «Властелин колец: Возвращение короля» «Оскар» 2004 года. Художник по костюмам: Найла Диксон и Ричард Тейлор Костюмы для завершающей части трилогии, также как и для двух первых фильмов, создавлись другом Питера Джексона Ричардом Тейлором. Но ему в этой непростой работе помогала целая команда – Найла Диксон (главный художник по костюмам), Дженис Мейсван (менеджер по гардеробу), Лиз Макгрегор (координатор гардероба) и т. д. В своей работе коллектив опирался на иллюстрации, сделанные для книг Джона Рональда Толкина художниками Аланом Ли и Джоном Хоу. Всего было изготовено примерно 19 тыс. костюмов. При этом многие из них было еще необходимо состарить, а это дело очень непростое. Работая над образами эльфов, художники использовали парчу, которая специально протиралась наждачной бумагой, чтобы сохранить сияние ткани, но сделать его более естественным и благородным. Повседневная одежда делалась в зелено-коричневой гамме, напоминающей мох. Эти оттенки символизируют древность и мудрость расы. При этом в декоре используется множество растительных элемнтов. К примеру, рукава, сделанные из зеленого бархата, напоминают свернутые листья. Отдельная история – платья Арвен. Для нее был создан весьма обширный гардероб, который даже не успели показать за все три фильма. Наряды Арвен должны были совмещать царственность и эфемерность. Для их изготовления использовались такие ткани, как бархат и парча. Цветовые решения гардероба тревожные – оттенки серого, лилового, темно-бордовый. «Расслабляется» Арвен, только когда приезжает на коронацию своего возлюбленного Арагорна. В кадре героиня предстает в светлом платье, символизирующем возрождение к новой жизни. «Авиатор» «Оскар» 2005 года. Художник по костюмам: Сэнди Пауэлл. Биографическая драма Мартина Скорсезе о Говарде Хьюзе разворачивается на фоне Голливуда 1930-х годов. Кроме собственно Хьюза в фильме фигурируют еще несколько реальных персонажей. Кейт Бланшетт играет голливудскую актрису Кэтрин Хепберн, с которой у Говарда был роман. Также в кадре появляются известные голливудские дивы Джин Харлоу (Гвен Стафани) и Ава Гарднер (Кейт Бекинсейл). Всех их художнице по костюмам Сэнди Пауэлл нужно было одеть без права на историческую ошибку. Роль секс-символа Голливуда 1930-х Джин Харлоу, под руку с которой Говард Хьюз появляется в самом начале повествования на премьере своего фильма, исполнила певица Гвен Стефани. По признанию Сэнди Пауэлл, наряд и образ в целом был срисован с архивных снимков дивы. Равно как и наряды других известных женщин. К примеру, стиль Кэтрин Хепберн. Она была весьма эксцентричной особой, любила эпатировать публику в том числе и своими нарядами. Актриса часто надевала мужскую одежду, заявляя таким образом о своей эмансипации. На Кейт Бланшетт мы видим вещи, которые вполне могли бы быть взяты из реального гардероба Кэтрин. Эталон женственности и сексуальности, актрису Аву Гарднер, сыграла Кейт Бекинсейл. По сюжету Хьюз безнадежно в нее влюблен. Звезда же позволяет себя любить. Ее образ, в отличие от нарядов Кэтрин Хепберн, которая любила Говарда, решен в более отстраненных, холодных оттенках. Если платья Кэтрин окрашены в персиковые, телесные оттенки, то Ава выбирает зеленый, бордовый и т. п. Ее образ идеален, она выглядит как недосягаемый идол. «Мария-Антуанетта» «Оскар» 2007 года. Художник по костюмам: Милена Канонеро. Режиссер София Коппола призналась, что в фильме сознательно хочет столкнуть историю и реальность, чтобы людям было проще воспринимать его. Этим объясняется тот факт, что наряду с весьма историчным кроем нарядов в фильме используются более чем неправдоподобные цветовые решения. Карамельно-пастельные платья едва ли могла носить дама XVIII века. Даже юная Мария-Антуанетта. Но, раз это все происходит в рамках режиссерской задумки, придираться не будем. Художница Милена Канонеро в интервью после выхода фильма неоднократно оговаривалась, что задача детально реконструировать костюм эпохи рококо перед ней не стояла. Однако, несмотря на это, мы видим вполне неплохие реплики на эпоху. Крой платьев-панье, напоминающий рюмку, корсеты, затейливые шляпки, выбеленные лица, невероятные прически, напоминающие усыпанные цветами сады, – все это имеет прямое отношение к рококо. Никакого отношения к нему не имеют кеды Convers, которые в одной из сцен можно увидеть в арсенале королевы… По словам художника и режиссера, эту шалость они себе позволили также сознательно и тоже в русле желания приблизить фильм к зрителю. Что касается цветов, здесь они играют далеко не последнюю роль. В начале фильма, когда мы видим Марию-Антуанетту юной и взбалмошной, ее платья сплошь романтичные – розовый, белый, цветочный принт, многочисленные кружева. По ходу развития сюжета и нагнетания негативных событий наряды постепенно начинают окрашиваться в более мрачные тона. Апогея эта трансформация достигает в финале. Как все мы знаем, финал у истории безрадостный… «Молодая Виктория» «Оскар» 2010 года. Художник по костюмам: Сэнди Пауэлл. Сегодня безумно популярна викторианская мода, но что из себя эта эпоха представляет, мало кто знает. Судя по фильму «Молодая Виктория», художник по костюмам Сэнди Пауэлл в курсе, как на самом деле выглядела мода того времени. Викторианская эпоха укладывается в годы правления королевы Великобритании и Ирландии, императрицы Индии Виктории – с 1837 по 1901 год. Это значимый период в истории не только Англии, но и всей Европы. Разумеется, в моде он тоже ознаменован определенными вехами. То, какой была мода в ранние годы правления Виктории, нам и показывает биографическая драма. Режиссер хотел, чтобы художник сделал точные копии платьев из гардероба Виктории, но при этом придал им экранного лоска. Сделать это, по словам Сэнди Пауэлл, было непросто, ведь наряды, несущие печать времени, имеют свое неповторимое очарование, которое легко разрушить при модернизации. Однако со своей задачей костюмеры справились. За основу в работе действительно были взяты реальные платья, хранящиеся в музейной коллекции. Это были модели, характерные для ранней Викторианской эпохи (1837−1860). Данный период еще называют романтичным, ведь королева была молода и влюблена. Она носила светлые оттенки, корсет, пышную юбку, рукава-буффы. К концу Викторианской эпохи в моду вошел совершенно иной крой – платья с турнюром, создающим объем сзади, а не по бокам. В результате для экранной королевы был создан гардероб из 15 нарядов. По ходу сюжета менялся крой и цветовые решения платьев. В самом начале фильма, когда Виктория только восходит на престол, мы видим превалирование цветочных принтов в ее гардеробе. По мере нарастания ее авторитета и усиления власти наряды меняются в сторону более темных цветов и драматичных тканей. Свадебное платье Виктории, кстати, также сшито по примеру оригинала. Как известно, именно после того, как Виктория надела на свадебное торжество белый наряд, эта традиция плотно закрепилась сначала в Европе, а затем и за ее пределами. «Алиса в стране чудес» «Оскар» 2011 года. Художник по костюмам: Коллин Этвуд. За наряды в «Алисе» пера Тима Бертона отвечала его давняя коллега Колин Этвуд. Слишком сильно отходить от классических версий образов художница не стала, но немного видоизменила привычные картинки. Так, в гардеробе Алисы сохранилось голубое платье, которое надето на ней в начале фильма. Однако Этвуд лишила его привычного передника и разместила на подоле животных и птиц, которые как бы проговариваются о том, что в скором времени с героиней произойдет что-то волшебное. После падения в кроличью нору Алиса начинает менять наряды. Поскольку героиня постоянно меняется в размерах – то вырастает, то уменьшается, художнику пришлось сшить по несколько версий одного и того же наряда. В работе над образом Шляпника активное участие принимал сам Джонни Депп, с которым Колин Этвуд знакома со времен съемок фильма «Эдвард Руки-ножницы». Именно Депп придумал, что костюм этого сентиментального героя, страдающего раздвоением личности, должен отражать его настроение и в зависимости от него менять цвет. Также совместными усилиями команда пришла к решению, что при нем всегда должны быть его рабочие инструменты. Так наперсток и подушечка с булавками стали деталями образа. Невероятная шляпа героя имеет интересную историю. По словам Колин Этвуд, она является копией настоящей шляпы тех лет. Кожу с необычным узором, будто ее прогрызли черви, художница случайно купила в Италии. Дизайн костюма Красной королевы опирается на символику карточных червей и характерную цветовую гамму – красный, черный и белый. При этом образы нарочито перегружены различными деталями – сердечками, полосочками и т. п. Таким образом художник намекает нам на дурной вкус королевы. Серьезно озадачил Колин тот факт, что голову королевы будут увеличивать в три раза. Разумеется, делалось это при помощи компьютерных технологий, но режиссер поставил перед художником задачу упростить компьютерщикам эту задачу. Чтобы голова казалась больше, фигура Хелены Бонем Картер должна была стать намного изящнее. В платье вшили специальную контрастную вставку, визуально сужающую силуэт. Талию Хелены до предела утянули корсетом, а шею удлинили за счет воротника, который как бы стекает в зону декольте, создавая визуальную вертикаль. «Анна Каренина» «Оскар» 2013 года. Художник по костюмам: Жаклин Дюрран. Режиссер Джо Райт не ставил перед Жаклин Дюрран задачу реконструировать эпоху Анны Карениной в исторических деталях. Поэтому и мы не станем придираться к костюмам, которые очень далеки от тех, которые в конце XIX века носили дамы Европы и Росссийской империи. Главной задачей Жаклин было передать через костюмы характер и настроение Анны. Платья Анны – это реплики на XIX век в разных его модных проявлениях. Здесь есть и кринолин, и узкая талия, затянутая корсетом, и декольте. Нет только турнюров, которые были характерны для моды того времени. Но раз мы договорились не придираться, умолкаем на эту тему. Зато Анна по-настоящему хороша в своих кринолинах. Цвета платьев прекрасно отражают состояние души Анны. На балу, где она знакомится с Вронским, Анна в черном, что соответствует классической версии Льва Толстого. Также этот цвет передает масштабы надвигающейся на женщину трагедии. Далее в моменты страсти она облачается в красный и бордовый, в минуты отчаяния – в серый, беззащитности – в белый. Ну и наконец, в самом финале черный вновь появляется в кадре. Особенного упоминания заслуживают драгоценности Анны. Все они созданы Chanel, причем на этом настояла именно Кира Найтли. Она сама провела переговоры с представителями дома, чтобы те согласились предоставить драгоценности. Так в шкатулке Анны Карениной появилось шикарное бриллиантовое колье Camelia Poudre, где две крупные фирменные камелии Chanel украшены роскошными бриллиантами. Общий вес этих камней – 6,8 карата. Цена – 2 млн долларов. Неудивительно, что на съемочную площадку его привозили под охраной всего на два часа в день. «Великий Гэтсби» «Оскар» 2014 года. Художник по костюмам: Кэтрин Мартин. О костюмах этой экранизации «Великого Гэтсби» начали говорить задолго до премьеры фильма. Это и неудивительно, ведь наряды изготовлены домом Prada. Они являются репликами на 1920-е и имеют гораздо меньше общего с модой того времени, чем платья в экранизации 1975 года. Но бесспорное достоинство в том, что они прекрасно передают то настроение нарочитого блеска, безудержного веселья и беспечности, которыми пронизана эпоха. Дейзи должна была выглядеть сказочно и несколько эфемерно, как бабочка, которая может упорхнуть. Этого эффекта художник добился за счет использования разбеленных цветов – серого, персикового и т. п. Также на службе у него оказался и модный в 1920-е свободный крой платьев. Он придал Дейзи воздушности. Эта девушка создает ощущение, что до нее нельзя дотронуться, иначе она рассыпется. Этот образ прекрасно иллюстрирует тот факт, что для Гэтсби эта женщина является мечтой, которая была долгое время недосягаема. Также и для своего мужа она не земная женщина, а нечто искусственное. Ей на замену он выбирает даму, одетую в гораздо более сочные цвета. Его любовница носит красный, зеленый, приправляя все это пошлыми оборками. По задумке режиссера База Лурмана блеск должен был бить через край, доходя до неприличия. Добиться такого впечатления ему помогла марка Tiffany & Co. Диадема Дейзи Savoy получилась действительно неприлично дорогой. Стоимость этого великолепия – 200 тыс. долларов. По задумке художников она немного напоминает головной убор индейца, но при этом выполнена очень тонко и элегантно. Этот «индейский» намек призван внести нотку дерзости в образ героини. Диадема стала визитной карточкой фильма и использовалась для фото в промокампании.