Как мода стала предметом коллекционирования и поводом для споров – есть ли ей место в музеях?

Сеть бутиков Babochka и Эрмитаж выпустили книгу «Тонкие материи», посвященную одноименной выставке коллекций легендарных дизайнеров, проходившей в Главном Штабе год назад. «Собака.ru» публикует отрывок из нее со статьей Нины Тарасовой, куратора той экспозиции и хранителя коллекции костюмов Государственного Эрмитажа. Является ли мода искусством, почему одни кутюрье считали себя художниками, а другие ремесленниками и когда открылась первая fashion-экспозиция. Костюм и мода в музее Является ли мода искусством? Есть ли для нее место в музее? Когда костюм становится произведением искусства? Дискуссии об этом ведутся в течение многих десятилетий и, видимо, не прекратятся в обозримом будущем. К единому мнению, прежде всего, не могут прийти сами творцы моды. Первым модельером, назвавшим себя художником, был Чарльз Фредерик Ворт. Он же первым стал нашивать на платья знак фирмы со своим именем, который, как и подпись художника на картине, устанавливал подлинность вещи. Моду считали искусством ученик Ворта Поль Пуаре («Я художник, а не портной»), Жак Фат («Кутюрье обязан быть архитектором кроя, скульптором формы, художником цвета, музыкантом гармонии и философом стиля»), Эльза Скиапарелли и многие другие мастера. Зато Шанель подчеркивала, что она «не художник, а производитель одежды», Пако Рабанн с достоинством именовал себя просто ремесленником и свои занятия — ремеслом, а Рей Кавакубо отказывалась называться художником с завидной настойчивостью. Ив-Сен Лоран дипломатично говорил, что «мода — не совсем искусство, но, чтобы существовать, ей нужен художник». Во Франции высокая мода с самого начала воспринималась и как искусство, и как индустрия, и таких выдающихся модельеров, как Кристобаль Баленсиага, Кристиан Диор, Мадам Гре, Чарльз Джеймс и особенно Ив Сен-Лоран, современники называли именно художниками, а их творчество — искусством. Но пока одни историки культуры, модные критики, искусствоведы и дизайнеры приводят аргументы в защиту моды как «самого человечного из искусств», а другие отказывают моде даже в приближении к Парнасу, в десятках музеев мира с неизменным успехом проходят модные выставки. Число музеев моды увеличивается с каждым годом, достигнув на сегодняшний день впечатляющей цифры: их около трехсот. Причем «музеи моды следуют стратегии художественных музеев, удерживая ретроспективные работы важнейших модельеров и собирая постоянные коллекции». Заметим, что в 1987 году мода как предмет коллекционирования впервые вышла на аукционы. В то же время нельзя не согласиться с мнением британской исследовательницы Фионы Андерсон, считающей, что «многие музеи по-прежнему смотрят на моду с предубеждением, страхом и недоверием. Иногда моду терпят как род „развлечения”, которое „приведет публику”, но не признают за ней серьезного вклада в образовательную роль музея». Развивая эту мысль, Валери Стил подчеркивает, что «до некоторой степени враждебность по отношению к моде со стороны музеев, особенно музеев искусства, диктуется традиционно низким статусом моды в академическом сообществе, но также эта враждебность связана с несогласиями между учеными и кураторами, а кроме того с полемикой о роли музея в современном обществе и о „моде” как аспекте популярной культуры». Первый публичный показ костюма и моды в историческом аспекте был устроен на Всемирной выставке 1900 года в Париже в Palais du Costume. Первый публичный показ костюма и моды в историческом аспекте был устроен на Всемирной выставке 1900 года в Париже в Palais du Costume. Экспозиция, имевшая большой успех, представляла собой тридцать исторических и современных «живых картин» с восковыми фигурами и демонстрировала как костюмы-реконструкции, так и работы французских модельеров «по последней моде». В 1907 году во Франции группа художников, модельеров и коллекционеров основала Общество истории костюма, поставившее задачу создать музей моды. Однако такой музей — Музей моды и костюма во дворце Гальера — появился в Париже лишь в 1977 году. В этом же году в Лувре был открыт Музей искусства моды. Шестьдесят лет назад Реми Сейсселин, французский ученый и знаток искусства XVIII века, автор эссе «От Бодлера до Кристиана Диора: поэтика моды», стал едва ли не первым и единственным специалистом, заявившим о том, что «мода превратилась в разновидность искусства». А уже в 1980-х годах громкие споры о неоднозначных и противоречивых отношениях искусства и моды приняли международный масштаб и вылились на страницы не только художественных журналов и многочисленных глянцевых изданий, но и серьезных академических сборников. Поводом для начала дискуссий послужила выставка в Метрополитен-музее, посвященная 25-летию творчества Ива Сен-Лорана. Во многом касающемся моды XX века нью-йоркский Метрополитен можно считать первооткрывателем. Именно здесь, в одном из крупнейших художественных музеев мира, экс-редактор Harper’s Bazaar и Vogue и будущий знаменитый куратор Диана Вриланд предложила выставлять работы ведущих модельеров. В 1973 году она устроила «Мир Баленсиаги», свою первую экспозицию в Институте костюма, годом позже — «Романтичную и блистательную моду Голливуда», в 1976-м — получившую широкий общественный резонанс выставку «Слава русского костюма», организованную на волне разрядки международной напряженности и очередном этапе интереса к «русской экзотике», в 1977-м — «Vanity Fair: Драгоценные находки для Института костюма». В 1983 году Диана Вриланд открыла экспозицию о творчестве Ива Сен-Лорана, первым среди модельеров удостоенного прижизненной персональной выставки. И хотя строгие критики неоднократно выказывали мнение о том, что выставки госпожи Вриланд разработаны весьма поверхностно, что они больше развлекают публику, нежели образовывают ее, значение экспозиции 1983 года велико. Это событие, открывшее само понятие «fashion-выставка», в отличие от «выставки костюмов» обозначило главную и неуклонно развивающуюся тенденцию в отношении музеев и образованной публики к моде. Мода стала восприниматься не только как инструмент получения прибыли в индустрии предметов роскоши, но и как часть культурного наследия человечества. «Пережив потрясение, вызванное демонстрацией работ Ива Сен-Лорана в Метрополитен-музее, другие музеи последовали этому примеру и позволили проводить в своих залах выставки, имеющие отношение к искусству и моде». Более восьмидесяти выставок, посвященных моде какого-либо исторического периода, модному дому или одному выдающемуся мастеру, прошли за последние двадцать пять лет в крупнейших художественных музеях, галереях, выставочных центрах Европы, Америки и Азии. Многие из них установили рекорд посещаемости. Например, «Savage Beauty», посвященная творчеству Александра Маккуина, в Метрополитен-музее (более 671 000 человек) и в Музее Виктории и Альберта (493 043 человека). А выставку «The Fashion World of Jean Paul Gaultier: From the Sidewalk to the Catwalk» за четыре года ее «мирового турне» и показа в Монреале, Далласе, Сан-Франциско, Мадриде, Роттердаме, Стокгольме, Париже посетили почти 1,5 миллиона человек. Когда речь заходит о коллекционировании и экспонировании костюмов, зарубежные исследователи традиционно отдают пальму первенства музеям и собирателям Великобритании и США, пусть это далеко не всегда соответствует действительности. Не ставя перед собой задачу осветить историю костюмных коллекций и выставок костюма и моды в России, ограничимся только некоторыми примерами. Уже в 1732 году, задолго до основания и появления костюмов в экспозиции лондонского Музея Виктории и Альберта (здесь «на протяжении более ста лет одежда играла в экспозициях лишь небольшую роль» — В. Стил), в Кунсткамере в Санкт-Петербурге был организован специальный зал, где посетителям демонстрировали знаменитую меморию — «Восковую персону с платьями». В этот комплекс предметов входила восковая фигура Петра I, одетая в роскошный парадный костюм, исполненный берлинскими мастерами в 1724 году, «полтавский» военный мундир императора, его редингот, оружие и военная амуниция. В 1733 — 1743 годах участники Второй Камчатской экспедиции собрали и доставили в Кунсткамеру десятки образцов традиционной одежды народов Сибири и Дальнего Востока. Эти костюмы были занесены в специальные реестры, их изучали и экспонировали. В Собственном Его Императорского Величества Арсенале Николая I и в Арсенале Императорского Эрмитажа бережно хранили сотни церемониальных костюмов и аксессуаров, мундиров и штатских платьев российских монархов. Ценнейшую коллекцию старинного костюма (народного, городского, купеческого) и аксессуаров, образцов текстиля, вышивки, кружева, насчитывавшую к 1904 году более 20 000 предметов, собрала Наталья Леонидовна Шабельская. Императорская Россия шла в ногу со временем и с модой «на моду». Вслед за Парижем в Санкт-Петербурге в 1902 — 1903 годах с успехом прошла «Первая Международная Выставка исторических и современных костюмов и их принадлежностей», организованная в Таврическом дворце «под августейшим покровительством Ея императорского высочества Великой Княгини Ксении Александровны». Экспонаты выставки были доставлены на берега Невы из Германии, Франции, Австрии, Сербии, Румынии, Швеции, Абиссинии (совр. Эфиопия), Персии (совр. Иран) и Индокитая (совр. Вьетнам, Лаос, Камбоджа). По сообщениям петербургских газет, «из экзотических экспонатов особое внимание привлекали костюмы индокитайских обывателей, устрашающие манекены тропических дикарей, папуасов, среди которых присутствовали манекены бомбейских рыбаков и рыбачек…» В Российском разделе выставки были представлены традиционные костюмы Архангельской, Олонецкой, Вологодской, Петербургской, Новгородской и Московской губерний. Олонецкий Губернский Статистический Комитет по окончании выставки был награжден Дипломом I степени «за интересные костюмы крестьян Пудожского и Каргопольского уездов» от имени Министерства Финансов. Не без влияния этой выставки зимой 1903 года в Эрмитаже, Зимнем дворце и дворце графов Шереметевых прошли знаменитые «исторические» балы с обязательными для участников костюмами, стилизованными под одежду времен царя Алексея Михайловича. Специальный раздел Первой Международной выставки был посвящен именно моде, и здесь публика увидела костюмы с марками модных домов Поля Пуаре, сестер Калло, Чарльза Редферна, мастерской Надежды Петровны Ламановой и других кутюрье. Костюмные коллекции отечественных музеев интенсивно формировались в первой половине XX века, полной трагических для России событий. Костюмные коллекции отечественных музеев интенсивно формировались в первой половине XX века, полной трагических для России событий. Несметные текстильные богатства, образовавшиеся в Петрограде после «экспроприации и национализации» дворцов и особняков, распределяли между музеями (особенно много костюмов было передано в так называемые историко-бытовые музеи), советскими учреждениями, театрами и самодеятельными кружками, продавали на антикварных рынках и простым обывателям, наконец, использовали по «хозяйственным нуждам». Только в конце 1950-х годов передел костюмов и тканей в целом завершился (новый виток этого процесса относится к концу 1960-х — началу 1970-х годов). В итоге Государственный Эрмитаж стал хранителем одного из лучших в Европе собраний исторического платья. Пополнением фондов костюма, однако, не занимались (исключение составляли костюмы, привезенные из этнографических экспедиций), и в эрмитажной коллекции образовались трудно восполнимые лакуны: практически «потерян» XX век с плеядой выдающихся творцов мировой высокой моды, упущены возможности пополнения коллекции работами талантливых советских и российских модельеров. Не имеющая продолжения коллекция не позволяла проследить тенденции развития костюма, а значит, на многие десятилетия костюмы и аксессуары превратились просто в «иллюстративный, вспомогательный материал». Несмотря на это, хранители фонда тканей Отдела истории русской культуры — Н. М. Шарая, Е. Ю. Моисеенко, Т. Т. Коршунова — смогли в условиях пренебрежительного в целом отношения в музейной среде к такому материалу, как костюм, организовать выставки, навсегда вошедшие в историю. Первая выставка — «Костюм в России XVIII — начала XX века», собравшая 105 исторических костюмов из фондов Эрмитажа, проходила в декабре 1961 — марте 1963 года в Николаевском зале Зимнего дворца. Десятилетие спустя выставка с таким же названием состоялась в Гербовом зале. Авторитетный российский историк костюма Р. М. Кирсанова назвала эрмитажные выставки 1961 — 1963 и 1974 годов знаковыми, поскольку они «прорвали своеобразную блокаду» и акцентировали внимание на эволюции силуэта и мастерстве исполнения8. Отныне ни одна историческая выставка не обходилась без экспонирования костюма, — возможно, наиболее важного и яркого «свидетеля» эпохи. Большим событием для Эрмитажа (как, впрочем, и для Метрополитен Музея) стало его участие в уже упоминаемой выставке «Слава русского костюма». Специально для нее Д. Вриланд вместе с Жаклин Онассис дважды приезжала в СССР, вела переговоры с чиновниками Минкульта и сотрудниками московских и ленинградских музеев и отбирала экспонаты. Выставка открылась в декабре 1976 года. Пять советских музеев (кроме Эрмитажа, участвовали Государственный исторический музей, Музеи Московского Кремля, Государственный музей-заповедник «Павловск» и Военно-исторический музей артиллерии и войск связи) предоставили более 500 экспонатов XI — начала XX века. Почти половину предметов (241) составляли памятники из коллекции Эрмитажа. Однако настоящую революцию произвела выставка 1987 года «28 лет творчества Ива Сен-Лорана (1958 — 1986)», первая fashion-выставка в Государственном Эрмитаже. Двести экспонатов из собрания самого модельера, показанные в главном зале Зимнего дворца — Георгиевском, стали подлинным откровением для советской публики, жившей долгие годы за «железным занавесом». Выставка продолжалась всего лишь около полутора месяцев, вызвала небывалый ажиотаж и нешуточные разговоры на тему «как мог главный музей страны впустить в свои священные залы моду?». Упреки в адрес Эрмитажа предрекали «печальное будущее» многим учреждениям культуры. «Сегодня Сен-Лоран в Эрмитаже, а завтра дискотека в филармонии», — было написано на плакате, с которым один молодой человек прогуливался по Дворцовой площади вдоль очереди на выставку. Систематически экспонировать костюмы Государственный Эрмитаж начал в XXI веке. Первые (после Ива Сен-Лорана) монографические выставки, посвященные творчеству знаменитых модельеров, были основательно подготовлены Т. Т. Коршуновой на материалах собственных эрмитажных фондов. В 2000 году — «Законодатель европейской моды. Чарльз Фредерик Ворт и работы его фирмы», в 2002-м — «Русский модельер Надежда Ламанова». Обе экспозиции, развернутые в Арапском зале и Ротонде Зимнего дворца, были решены в традиционно сдержанном, академическом стиле, далеком от сегодняшних дизайнерских приемов. Однако значение этих выставок трудно переоценить: в главном музее России моду (а не просто костюм) конца XIX — начала XX века показали как искусство, а о творцах этого искусства рассказали не только как о выдающихся мастерах портновского дела, но и как о художниках. Однако значение этих выставок трудно переоценить: в главном музее России моду (а не просто костюм) конца XIX — начала XX века показали как искусство, а о творцах этого искусства рассказали не только как о выдающихся мастерах портновского дела, но и как о художниках. Так же, как и в странах Западной Европы, Америки и Азии, конец XX — начало XXI века отмечены многочисленными костюмными и «модными» выставками в России. По подсчетам Е. Н. Коковиной, в этот период в музеях, галереях, центрах современного искусства в Москве, Петербурге, Казани, Иваново и других городах состоялось около девяноста выставок, посвященных истории костюма, моде, творчеству отдельных кутюрье, модной иллюстрации и фотографии. Целая серия успешных выставок мирового уровня была организована в Эрмитаже. Во-первых, это грандиозный проект юбилейного для музея 2014 года «При Дворе российских императоров. Костюм XVIII — начала XX века», развернутый в главных парадных залах Зимнего дворца. Во-вторых, посвященная творчеству выдающегося отечественного модельера В. М. Зайцева экспозиция 2016 года в Манеже Малого Эрмитажа, дизайнерское решение которой позволяет отнести ее к настоящей fashion-выставке. Кроме того, это выставки 2016 — 2017 годов в залах Главного Штаба: серьезное и глубокое прочтение творчества М. Фортуни («Мариано Фортуни — волшебник из Венеции. Коллекционер. Художник. Кутюрье») и представление яркой, остроумной коллекции известнейшего современного дизайнера М. Бланика («Маноло Бланик. Обувь как искусство»). Наконец, в декабре 2017 года в Реставрационно-Хранительском Центре «Старая Деревня» состоялось открытие «Галереи костюма», познакомившей широкую публику и специалистов с богатым собранием костюма XVII — XX веков, сосредоточенным в фондах Отдела истории русской культуры. В этом ряду событий выставка «Тонкие материи. Мода 1988 — 2018» еще раз подчеркивает открытость Эрмитажа современному искусству, в том числе и моде, а щедрый дар компании Babochka является органичным продолжением его линии на достойное пополнение коллекции костюмов и аксессуаров работами дизайнеров XX — XXI веков. «Скорее всего, мы никогда не сможем сказать, что вся мода является искусством, — справедливо считает Валери Стил. — Лишь очень небольшая часть образов и объектов — продукция сферы ограниченного производства, имеющая отношение к высокой моде и/или авангарду, может претендовать на то, что когда-нибудь к ней станут относиться как к искусству. Не каждая футболка будет удостоена этой чести, хотя не совсем ясно, какие критерии применяются для того, чтобы обозначить границы между рядовой одеждой и произведением сарториального искусства…» Книга «Тонкие материи. 30 лет моды», статья Нины Тарасовой. За предоставленный отрывок благодарим Государственный Эрмитаж. Фото: пресс-архивы «Собака.ru» и сети бутиков Babochka. Подписывайтесь на наш канал о моде в Telegram — подборка главных новостей о фэшн-индустрии за день.