Как на самом деле работают современные художники: рассказ Агне-Марии Силкинайте

12 ноября 2021, 16:00

С 8 сентября 2021 по 9 января 2022 года в Новой Третьяковке проходит выставка картин Юрия Пименова, на которую хочется попасть, пожалуй, каждому второму москвичу. И здесь же, по-соседству, с 4 по 14 ноября проходит выставка «Искусство труда», в рамках фестиваля «Время, вперед!».

Как на самом деле работают современные художники: рассказ Агне-Марии Силкинайте — © Roomble.com

Одна из участниц – молодая художница Агне-Мария Силкинайте. Мы обсудили жизнь и творчество современного художника, интерьерную живопись и некоторые профессиональные секреты.

Современная живопись не показывает реальность

Многие думают, что если ты умеешь рисовать, то просто садишься и рисуешь из головы или с натуры. На самом деле создаешь картину ты действительно за два дня, но готовишься к этому – год. Когда я делала свою абстрактную серию «Сотворение мира», какие-то детали я брала с фото тибетских пейзажей, какие-то – из пятна разлившегося кофе. То есть даже на абстракцию художника вдохновляет реальность. Мы не придумаем ничего лучше реальности, все прекрасное природа уже создала до нас.

Чем художник отличается от фотографа? Когда еще не было фото, ценность художника была в том, что он нарисует реальность точь в точь. Но мы в институте рисовали всей группой одного и того же человека с натуры, и у всех получались абсолютно разные изображения разных людей. Мы все смотрим и воспринимаем по-разному, мы видим разные черты и детали.

В наше время никого не удивишь техникой и точностью воспроизведения реальности. Осталась одна ценная валюта в рисовании – это искренность. То, насколько откровенно ты показываешь все, что пережил и пропустил через себя. Рисование – это наука по познанию мира и самого себя, как биология или математика, просто по другим законам. Я это всегда стараюсь объяснять своим ученикам.

Интерьерная роспись – отдельный вид искусства

В росписи стен интерьера художнику приходится отталкиваться не только от своих желаний и ощущений. Во-первых, ты работаешь с дизайнером и его задумками, во-вторых, создаешь пространство для конкретных людей, которые в нем будут жить. Перед началом работы в интерьере я всегда делаю эскиз, либо его делает дизайнер интерьера, и беру подпись заказчика под ним. Очень важно, чтобы заранее все было согласовано до последнего штриха.

Если работа вдруг не пошла, то холст можно выбросить, а со стеной так не получится. Есть такое понятие как «уставшая стена», когда на ней десять раз что-то переделали. В таких случаях проще закрасить и начать заново. Поэтому я никогда без эскиза не начну работать, эскиз – это своего рода договор.

В чем смысл росписи стен в интерьерах? Сейчас нам доступны готовые фрески и реалистичные фотообои, можно даже сделать эксклюзивные обои с любым рисунком. Но вот когда человек каждый день ходит мимо того, что создано живой рукой мастера, то это дарит ощущение чего-то настоящего и личного, ведь художник оставляет в интерьере кусочек души.

Одна из моих любимых работ – это роспись купола мечети, созданной по проекту дизайнеров Виргинии Плетайте и Екатерины Михеевой, в Казани. Пожалуй, это самый необычный мой опыт, я почувствовала себя немного Микеланджело, ощутила свободу действий. Мне вообще нравится работать в общественных и коммерческих пространствах: в отелях, ресторанах, детских центрах. Там широкое поле работы, где ты можешь не отталкиваться от желания конкретного заказчика, а быть смелее, делать то, что хочешь, так, как ты это видишь.

Как-то я расписывала стену на одном предприятии, создавала изображение космического корабля «Буран». В какой-то момент мы поняли, что роспись маленькая, и мне позволили отойти от эскиза.

Тогда я нарисовала на переднем плане реальных людей, которые работали над созданием корабля, а на заднем плане – сотрудников предприятия, в частности – директора. Мне хотелось, чтобы это были настоящие люди, а не просто абстрактные фигуры.

Масло и акварель – это еще не все

Существует множество других способов создать картину. Например, сейчас очень популярны печатные техники, которыми я занимаюсь. В частности, среди моих работ много офортов, особенно мне нравится техника под названием «шинкале». В основе офортная бумага, сверху наклеена тончайшая рисовая бумага, а на нее уже наносится картина, напечатанная особым способом.

Для этого берется медная доска, на которой «выцарапывается» рисунок, затем, после множества манипуляций, получившиеся углубления заполняются краской, доска вместе с бумагой помещается в специальный станок, и краска отпечатывается.

В результате, получится работа, у которой будет своя текстура и объем, а не просто плоский рисунок. Офорты очень популярны в интерьерах, потому что чаще всего они черно-белые и рельефные. Можно сказать, что эта техника приобрела широкую известность благодаря Рембрандту, он много занимался офортами.

Гравюра делается ровно наоборот. С помощью специального резака рисунок наносится на дерево или линолеум, и краской покрываются выступы, а не углубления, как у офорта. Вот почему гравюру называют высокой печатью, а офорт – глубокой. Существуют и другие техники создания картин, например литография, шелкография, но я занимаюсь, в основном офортами, живописью и графикой.

Сейчас я мало рисую на бумаге или холсте, обычно использую специально обработанные и загрунтованные деревянные доски и водяные краски – темперу. Мне нравится рисовать на дереве, потому что оно имеет свою фактуру, немного напоминает стену и иногда становится прекрасным фоном, который даже не хочется закрашивать. Картины, нарисованные на дереве, особенно естественно смотрятся в интерьере.

Вообще, есть картины, которые можно оценить только в интерьере, проходя мимо них несколько раз в день. Вот, например, моя работа «Киты» на фото не раскрывается до конца. Животных неправильно рисовать статичными, поэтому я использовала графитовый карандаш, который бликует на свету. Кажется, что вода движется, и кит то выныривает, то снова погружается в пучину.

Тринадцать лет обучения рисованию

Я переехала из Литвы в Россию с родителями, когда мне было 7 лет. Я пошла в школу, ни слова не зная по-русски, но уже через полгода освоилась и заговорила как все, а после четвертого класса наступил судьбоносный момент. Учительница рисования порекомендовала мне поступить в художественный лицей при академии художеств, теперь он зовется Московской центральной художественной школой.

Сейчас я понимаю, что если бы тогда не влюбилась в искусство, не была бы счастлива проводить по десять часов в день за мольбертом, то, наверное, такой нагрузки бы не выдержала. Многие уходили сами, многим приходилось уходить, потому что они не справлялись с объемом работы. Но я вижу, что оно того стоило.

Мне невероятно повезло с первым учителем, это была Зинаида Николаевна Короткова, она и сейчас преподает там же. Мое первое занятие с ней было 16 лет назад, а я до сих пор помню каждое слово. Постепенно стало ясно, что рисование – это не просто хобби или работа, а образ жизни. Оканчивая школу, я уже точно знала, что буду рисовать всегда!

После школы я поступила в Суриковский институт на факультет графики, и часть моей дипломной работы как раз сейчас выставлена в Новой Третьяковке в рамках фестиваля «Время, вперёд!». Эту серию работ «Технология» я рисовала в течение года, у меня были тонны эскизов, ими можно было устилать пол.

Важно было выбрать не только сюжет и ракурс, но и расположение деталей и объектов на каждой картине, общую идею, которая бы прослеживалась в серии, найти правильные позы персонажей.

Завод, для которого я делала эти работы, выдал мне костюмы сотрудников, и дома их надевали мои родственники и молодой человек, чтобы я могла нарисовать человеческие фигуры с натуры. Так что здесь нет ничего выдуманного или случайного, все из реальной жизни.

Лучший способ начать свою коллекцию картин

Коллекции живописи бывают разные. Чтобы покупать антикварные полотна гениев прошлого, нужно нанять эксперта и посещать аукционы. Чтобы использовать картины как инвестицию, нужно разобраться в современных художниках и тоже не без помощи специалиста.

Есть и те, кто просто подбирает живопись под цвет занавесок, чтобы интерьер смотрелся лучше. Мне этот подход не очень нравится, потому что так искусство теряет свою собственную ценность.

Поэтому если вы действительно хотите иметь картину, которая будет вам нравиться сама по себе, то сначала нужно найти хотя бы одного художника, который будет «вашим». И будет цеплять не просто красотой нарисованного, а чем-то более глубоким.

Однажды мы с моей тетей пришли на выставку Ван Гога, она увидела одну картину и расплакалась, так эта картина тронула ее душу. Вот такие работы стоит вешать в интерьере, тогда они будут для вас произведением искусства, а не просто пятном на стене. И тогда будет неважна ни стоимость работы, ни слава художника, ни сочетание с занавесками.

Художника можно встретить повсюду

Есть художники, которые умеют себя продавать и создавать личный бренд, но не у всех есть такой талант. Я считаю, что здорово, когда коммерческой стороной вопроса занимается тот, кто это умеет, то есть галерея. Но это ошибка – думать, что работы художника можно увидеть только в галерее, мастерской или в музее. В наше время выставку можно устроить где угодно!

Например, когда-то мои картины украшали презентацию Porsche, выставку вертолетной индустрии HeliRussia, а теперь вот участвуют в тематической выставке «Искусство труда» фестиваля позитивного идейного искусства «Время, вперёд!». Всех желающих взглянуть на мои работы я приглашаю в свою мастерскую в Духовском переулке. Здесь прекрасное освещение и вдохновляющая атмосфера.

Неожиданный источник вдохновения

Что за работа художника без арт-директора? Его часто можно увидеть у меня в социальных сетях, он помогает мне в мастерской, ездит со мной на росписи стен, вдохновляет и успокаивает. Это прекрасный пес породы самоед, зовут его Король Арэй. Я провожу занятия для детей и взрослых и учу их очень серьезным вещам, ученикам приходится много трудиться. Арэй помогает им расслабиться и настроиться на нужную волну. Да что ученики, я сама иногда не могу справиться с волнением.

Кажется, что рисование – мирное занятие, о чем переживать, откуда драма? На самом деле, рисуя, ты всегда в состоянии войны с белым холстом, ты должен победить плоскость бумаги и создать маленький новый мир. Когда рядом спит большой пушистый зверь, это очень поддерживает.

Мне нравится работать с учениками. Когда бумага становится объемом – это магия для них, и я счастлива видеть их радость. Мне самой повезло в жизни с учителями, ведь не все готовы делиться знаниями и вкладывать душу в работу. И я хочу быть хорошим учителем для других.

Я считаю, это преступление – преподать сухо и технично, чтобы просто заработать. Часто мои ученики боятся даже линию провести, потому что их приучили не совершать ошибок и действовать по инструкции. Тогда рисование становится для них арт-терапией.

Следовать моде – проигрышная позиция

У художника сейчас больше свободы, раньше существовали жесткие критерии, мода диктовала условия, но в наше время в искусстве нет общего большого направления. Художественный мир перегружен разными стилями и веяниями, поэтому каждый может просто делать то, что хочет. Но ощущение вседозволенности создает и трудности, приходится искать себя и свой стиль, а не просто делать то же, что и все остальные.

Важно найти свою нишу, где ты будешь необходим. Многие молодые художники боятся остаться без работы, пытаются подстроиться под тренд. Поначалу это поможет создать некую популярность, но она очень быстро пройдет, потому что работы художника должны не отвечать спросу, а создавать его. Ты никогда не обманешь зрителя, он всегда увидит, что ты притворяешься.