Фотограф развенчал популярные мифы о съемке: техника, композиция, общение с моделями

Автор этой подборки, фотограф Антон Мартынов, признается: «За много лет у меня сложилось стойкое ощущение, что вся фотографическая деятельность очень мифологизирована и там шагу нельзя ступить, чтобы не вляпаться в какие-то очередные “городские легенды” или “сказания народов мира”. Причем мифы лезут прямо из каждого утюга: с равным успехом они могут передаваться как сокровенное знание из уст в уста и печататься большими тиражами в книжках по фотографии. Мне надоело бороться с каждым мифом отдельно, поэтому я с энтузиазмом воспринял идею собрать самые докучливые из них и постараться прихлопнуть их разом». Антон разрешил нам поделиться списком популярных заблуждений с читателями BigPicture.ru, а чтобы читать было интереснее, мы проиллюстрировали текст его же фотографиями. 1. Мифы о технике 1.1. Плёнка дисциплинирует. Очень часто в разговорах всплывает фраза, что, мол, раньше была плёнка и она дисциплинировала фотографа. Дескать, в катушке было мало кадров, проявка и печать стоили недёшево, да и процесс был не такой быстрый. Вот и приходилось снимающим думать над каждым кадром. А сейчас, кхе-кхе, кряхтят в этом месте ностальгирующие фотолюбители, у каждого флешка на стоттыщгигабайт и камеры снимают по 100500 кадров в секунду! Вот и щелкает молодёжь все подряд бездумно — не то что в былые времена, когда деревья были выше, водка вкуснее, девушки моложе, и все такое прочее. А как предложишь такому «старому солдату, не знающему слов любви» купить себе флешку на 500 мегабайт, да экранчик скотчем заклеить, чтобы фото можно было посмотреть только дома, —так нет, все в отказ уходят. Никто не хочет дисциплинироваться, хоть ты тресни! На самом деле, если фотограф дружит с головой — то, снимая на цифру, он тоже будет думать над каждым кадром. Или, как вариант, он использует преимущества современной техники для того, чтобы на месте зафиксировать как можно больше, а уже дома выбрать из этого большого количества кадров один-единственный, который лучше подойдет для его задумки. Выигрыша в ограничениях нет никакого. Но миф процветает. 1.2. Пленка лучше цифры. Вообще, с пленкой связана куча разных мифов и легенд. Некоторые из них имеют реальное обоснование. Например, история о том, что фотографирование на пленку дает живой и симпатичный результат, в отличие от унылой цифровой фотографии, — это лишь отчасти миф, тут есть понятная база. Действительно, в свое время любительские пленки конструировались под чутким руководством искусствоведов, художников, психологов и самых разных творческих людей. Делалось это специально, чтобы у любителя сразу получались приятные цвета. Многие десятилетия труда этих специалистов привели к тому, что фотографирование на пленку дает очень симпатичные результаты. Впрочем, из цифровой фотографии тоже можно получать такие же эстетически приятные кадры — просто надо приложить усилия для их обработки. А для этого надо знать, что и как крутить, изучать соответствующие программы, ходить в музеи, получать художественное образование и так далее, и тому подобное. Поэтому цветовое превосходство плёнки над цифрой — это миф лишь отчасти. Впрочем, тут есть и другой момент. Кадры, снятые на пленку, часто получаются не такими, как на цифру, даже не из-за их технических отличий. Инструмент накладывает свой отпечаток на результат, как это ни странно: сам процесс съемки на пленку очень отличается от фотографирования на цифру. Снимок зависит от процесса, а следовательно, и результаты будут разными. Подробнее можно почитать об этом у Паши Косенко. 1.3. Из техники покупать стоит только фуллфрейм. Это утверждение выглядит по-разному. Иногда это что-то вроде «настоящая картинка, красивое боке, пластика, рисунок возможны только на фуллфрейме». Иногда — «когда же [название фирмы] выпустит фуллфрейм, а то все кроп да кроп, одна фигня». Но суть всегда одна: фуллфрейм объявляется королем всех размеров матриц, и только с ним фотографов ждёт безусловный успех, а без него — тлен, тщетность, уныние и упадок. Если кратко, то «фуллфрейм» — это техника, у которой размер сенсора равен размеру 35-миллиметрового пленочного кадра (36х24 мм), а «кроп» — это фотоаппараты, у которых матрица меньше «фуллфрейма». Законы физики никто не отменял, и действительно, при прочих равных, чем больше размер сенсора, тем выше качество изображения. Однако на практике не всё так очевидно. Когда цифровая техника только входила в обиход, делать большие матрицы было дорого, и производители повсеместно пихали «кропнутые» сенсоры в фотоаппараты для снижения цены. Сейчас выпускать большие матрицы стало не так уж и дорого. Но фотоаппараты с малым размером сенсора получаются компактнее, легче и дешевле. Причем у кропа меньше не только сама «тушка» фотоаппарата — у них меньше и оптика! А также легче и дешевле, что немаловажно. И это открыло для производителей новые возможности: теперь можно выпускать камеру с качеством изображения чуть хуже, зато она будет легче, компактнее и дешевле. Или делать фотоаппарат с большим сенсором и высоким качеством снимков, но техника будет получаться тяжелее, больше и дороже. «Большие, но по пять; маленькие, но по три», помните? Возможно, в этом месте многие уже воскликнут: «Ну а как же физика?”. Ну как-как… А вот так! Да, действительно, при прочих равных камера с большим сенсором будет давать более качественное изображение. Но конструктивно матрицы развились сейчас до такого уровня, что отличия в качестве снимков, сделанных на камеры с разным размером матрицы, довольно сложно обнаружить уже порой и профессиональным фотографам, не говоря уже о любителях. Это подтверждают многочисленные слепые тесты. Давно уже имеет смысл отправить на свалку миф о том, что только фуллфрейм способен выдавать качественный результат. Тем более что фуллфрейм — это далеко не самые большие матрицы. Есть ещё средний формат, а для настоящих ценителей — большой. И нет предела совершенству. Если выбирать технику, следует исходить не из мифов, а из целей и условий ее применения. Надо лезть в гору? Возьмите систему с меньшей матрицей, но более легкую и компактную. Хотите высокого качества снимков, а цена, размер, вес не так важны? Берите цифровой средний формат. Требуется компактность с хорошим качеством, золотая середина? Покупайте умеренный кроп. И так далее. Многие говорят, что для профессионалов имеют значение размер фотоаппарата и его марка. Мол, заказчики очень часто выбирают фотографа по жёстким критериям, спрашивая, какая у него аппаратура… В переводе на человеческий язык это означает, что заказчик сомневается в умении этого фотографа сделать хорошие кадры. Или ему просто наплевать кто будет снимать, лишь бы некие формальности были соблюдены. Помните, что далеко не все крутые фотографы снимают на опупенные фотоаппараты. 1.4. «Зеркалки» лучше «беззеркалок». Эта тема распространена скорее среди начинающих. Приходит такой человек в магазин покупать первую камеру. И что надо брать? Разумеется, зеркалку! Это ж круто. На зеркалки снимают профи, да и вообще зеркалки рулят! Качество с зеркалок ни с чем не сравнить же, ну! Для начала стоит немного разобраться с техникой. Например, нужно понимать, что на качество фотографии в современной цифровой камере влияют: объектив; матрица (ее размер и конструкция); электронная начинка (процессоры и программы обработки сигнала). Где тут зеркало? Нигде. Его наличие вообще никак не влияет на качество изображения. Беззеркалки сейчас оснащаются такими же объективами, как и зеркальные камеры (мало того, на них можно ставить оптику с зеркалок, а вот наоборот — нельзя). Матрицы на беззеркалках по размеру не уступают матрицам зеркальных камер (а иногда ставятся вообще одни и те же матрицы). Электроника и программное обеспечение у всех камер примерно на одном уровне. Зеркало в фотоаппарате — это лишь способ смотреть своим глазом (да-да, одним) на мир через объектив фотоаппарата. Чем-то такой способ хорош, чем-то нет. Но по совокупности, пожалуй, способ визирования через экран все же удобнее: плюсов больше, а негативные моменты (вроде задержки при съемке) на современных камерах практически сошли на нет. При этом беззеркалки компактнее, легче и конструктивно проще. 1.5 Фотографии обязательно должны быть очень качественными. Этот миф расположен в «техническом» разделе потому, что подразумевается, что только очень крутой техникой можно сделать качественные фотографии. Поэтому, дескать, надо срочно купить большую черную зеркалку и к ней огромные объективы с красным кантом, без этого никак. Очень любят обсасывать этот миф в интернетиках. Сидят «эксперты» на форумах и с умным видом вещают, что на фото не должно быть пересветов, провалов в тенях, не должно быть шумов, расфокуса, что все должно быть четенько и чистенько, гистограмма там гауссиановская, баланс белого правильный и все такое прочее. На самом деле все это по большей части хрень. Снимок может быть каким угодно, лишь бы он выполнял главные задачи: рождал эмоции или заставлял людей думать, переживать. Разумеется, хорошо, если фотография будет выполнять эти задачи и при этом будет отличного качества. Если она получится стремная, смазанная, нечёткая, но зато с отличной с идеей, — зрители простят ей отсутствие качества. А если наоборот — резкой, чёткой, с отличным динамическим диапазоном и выверенным балансом белого, выставленным по серой карте, но скучной и безыдейной — никакое качество тут не поможет, снимок забудут уже через мгновение после того, как он исчезнет с глаз долой. Так что рассматривать фото стоит сначала по принципу «цепляет или не цепляет», а потом уже говорить про технику исполнения. А «эксперты» почему-то считают, что одного технического совершенства будет достаточно, чтобы снимок был интересен зрителям. Или им хочется, чтобы было так: ведь тогда можно будет создавать шедевры, просто выучив некий алгоритм действий: сначала добиваемся этого технического результата, потом этого, потом пипетками и гистограммой выстраиваем цвета… Но увы: это не работает. 1.6. Объектив 50 мм показывает мир так, как видит человеческий глаз. Обычно это звучит примерно так: «фокусное расстояние человеческого глаза равно 50 миллиметрам, и поэтому, если вы купите “полтинник”, то будете получать на снимках точно такие же изображения, какие видите собственными глазами». Иногда встречаются более обтекаемые и осторожные формулировки вроде «объектив с фокусным расстоянием 50 мм, которое максимально соответствует человеческому зрению”». Откуда это вообще? Давайте разбираться. Начать надо с того, что у нас не один глаз, а два. Это значительно усложняет оценку характеристик зрения. Еще более важный момент: люди через глаза получают не снимки и даже не последовательность кадров, а непрерывный поток информации, который анализируется и обрабатывается мозгом. И видим мы, по сути, именно мозгом, а не глазами. Даже если оставить в стороне обработку и пристально рассмотреть только один глаз как обычную оптическую систему, то выяснится, что интересующее нас фокусное расстояние там равно примерно 23 миллиметрам. Вот же оно! Но нет. Угол зрения у человеческого глаза составляет примерно 130° (плюс-минус десяток градусов зависит от личных особенностей), что эквивалентно некоему гипотетическому сверхширокоугольному объективу с фокусным расстоянием около 6-8 миллиметров. Неужели оно?.. Тоже нет. В общем, можно не гадать: все на самом деле значительно сложнее, простых ответов тут нет. Для фиксации изображения на сетчатке используются два основных типа рецепторов: колбочки — отвечают за дневное детализированное цветное зрение. Их порядка 6-7 миллионов на каждый глаз. Практически все они сосредоточены прямо напротив зрачка, в так называемом желтом пятне. И сектор зрения, ограниченный размером этого пятна, получается примерно в районе 3-4°, что приблизительно эквивалентно объективу с фокусным расстоянием 600-700 миллиметров. палочки — отвечают за ночное периферийное зрение. Их около 110-125 миллионов в каждом глазу и они хитро распределены по сетчатке: по краям их плотность намного выше, чем в центре. Палочки примерно в 100 раз более чувствительны к свету, чем колбочки. Но они не различают цвета, поэтому ночью, когда колбочки практически не работают, информация поступает только с палочек, и для нас «все кошки серые». Собирая информацию, глаза находятся в постоянном движении: они сканируют поле зрения, совершая до 123 микроперемещений в секунду. Так что зрение человека можно сравнить с постоянно обновляемой суперпанорамой, которая состоит из большого количества сверхдлиннофокусных изображений, молниеносно склеенных мозгом на подложке из равномерно обновляющегося сверхширокоугольного малодетализированного изображения. Все это «на лету» собирается мозгом, обрабатывается и упаковывается в единую картину мира, дополненную другими органами чувств, памятью и разумом. Если гипотетически попробовать «выдернуть» один «кадр», «снятый» глазами, то окажется, что область изображения, на которой человек может сфокусироваться в каждый отдельный момент времени, соответствует «жёлтому пятну», а остальная часть изображения остаётся не в фокусе, все более размываясь к краям поля зрения. То есть мы смотрим на мир одновременно как сверхдлиннофокусный четкий цветной объектив (с фокусным расстоянием около 600-700 миллиметров) и как малодетализированный черно-белый сверхширокоугольный (с фокусным расстоянием около 6-8 миллиметров). Это если сильно упрощать описанное выше. Получается, что вообще-то человеческий глаз не может быть представлен в виде какого-нибудь одного объектива. Ни с фокусным расстоянием 50 миллиметров, ни любым другим. И «полтинник» не даёт такое изображение, как видит человеческий глаз. Никакой объектив не может быть эквивалентен человеческому зрению (подробнее об этом я писал в посте «FAQ. Мифы и правда о “полтиннике”»). 2. Мифы о композиции. 2.1. Правила нужно сначала выучить, чтобы потом их нарушать. Один из самых ужасных и противных мифов в фотографии, который возникает чуть ли не в каждом обсуждении композиции. Причем, как правило, речь идет о бредовых «правилах композиции», высосанных кем-то непонятно из какого пальца. Вроде таких: «горизонт не должен делить кадр пополам», «человека в портрете нельзя размещать по центру, надо обязательно немного сдвинуть вбок» или «наличие геометрических фигур, кругов, треугольников, квадратов на фото повышает разглядываемость снимка». Предполагается, что нужно сначала усвоить эти правила, а потом уже их нарушать, когда понадобится. Это как научиться переходить оживленную улицу на зеленый, а потом уже будто бы можно смело перебегать ее перед мчащимися гружеными КАМАЗами на красный — знание ПДД позволит вам не попасть в ДТП при нарушении этих правил, ха-ха-ха. Если чуть более серьёзно, на эту тему есть прекрасное видео, «Как разучиться кататься на велосипеде». Там всего семь минут, посмотрите, не поленитесь: Если вы единожды что-то себе заложили в голову, то выкинуть это оттуда будет крайне сложно. Если вы уже забили себе голову вышеперечисленными «правилами композиции», то и нарушать их не получится. Даже чтобы осознанно нарушить какие-то заученные правила, придется прикладывать колоссальные усилия — не говоря уже о том, чтобы делать это на лету, легко и непринужденно. В результате снимки будут получаться похожими друг на друга, что не очень-то хорошо для творческих работ. Понятно, почему люди так стремятся использовать мифы в такой творческой сфере деятельности, как фотография. Это своеобразный карго-культ — попытка бездумно, механистически повторить некие действия, чтобы получить «идеальный» снимок. Начинающим фотолюбителям и людям с «дизайнерским» складом ума особенно хочется четких инструкций: «сделай так, потом так и вот так — и ты получишь отличный результат». Но в художественной фотографии, как, впрочем, и в других творческих процессах, подобные инструкции не работают. Бытует еще мнение, что в использовании таких шаблонных приемов и «правил» нет ничего страшного: человек начнет, допустим, строить снимок по «золотому сечению» и в процессе кадрирования поймет, что лучше будет отойти от этого правила, нарушить его. Уже хорошо, дескать! Еще один вариант: все эти «правила» — не иначе как плацебо, ведь вреда никакого, а многим сильно помогают. Увы, это тоже неверно. Вред от заучивания правил есть, я его уже озвучил. Человек, создающий снимок по «правилам», в большинстве случаев делает вторичный продукт, который, скорее всего, не будет особенно интересен. Время, усилия и средства, потраченные впустую. Что же делать? Готовясь делать снимок, стоит в первую очередь смотреть на идею, на задумку, выискивать главное в фотографии, пытаться ответить себе на вопрос, что же ты хочешь показать (красоту человека, некую эмоцию или явление), и дальше уже начинать пробовать снимать без оглядки на «правила». А если уж так хочется все же опереться на правила и приемы, то сначала следует внимательно изучить их на предмет доказательной базы. И брать на вооружение только те, что достаточно убедительно доказываются статистикой или научными исследованиями. 2.2. Фотографии нужно строить по правилам «золотого сечения» (или по «правилам третей»). Конечно же, фавориты этого списка — набившие оскомину правила «золотого сечения» и «третей»! Они встречаются чуть ли не в каждом сборнике советов начинающему фотографу. Часто они преподносятся как братья-близнецы: второе — как упрощённый вариант первого. Иногда — как отдельные и даже не связанные друг с другом правила. Но у них общий принцип: считается, что если поделить плоскость изображения согласно этим правилам, то появятся некие линии и важные части композиции должны быть расположены вдоль этих линий или на их пересечении — в так называемых «точках силы». Сторонники этих правил утверждают, что выстраивание важных частей снимка за этими точками и линиями «создает впечатление акцентирования, большего напряжения, энергии и большей заинтересованности к композиции, чем простое расположение предметов съемки в кадре». Разумеется, нет ни единого научного исследования, которое бы подтвердило правоту приведенных выше утверждений именно в фотографии. Нет ни намека на то, что «правило золотого сечения» может хоть как-то улучшить снимок, сделать его гармоничнее или интереснее. Существуют лишь математические умозаключения и парадоксы, связанные с «золотым сечением» и свидетельства того, что математики, зодчие и композиторы иногда использовали это правило в своих работах или подмечали некие закономерности в природе, связанные с ним. Про трети даже этого нет — это абсолютно голословное, ничем не подкрепленное «правило». Просто кому-то кажется, что оно работает, и всё тут. Если бы эти правила работали — то, полагаю, мы бы увидели концептуально иные интерфейсы управления транспортом. Ведь бог с ней, с фотографией: не так важно, работает в ней какое-то правило или нет. Зато применение «золотого сечения» на панели управления, допустим, самолётом могло бы создать то самое «дополнительное акцентирование» на самых важных приборах. Но этого нет, не используют эти правила в самолетах. Хотя к разработке интерфейсов люди подходят куда как более продвинуто, чем к каким-то снимкам. Там внимательно следят буквально за каждой мелочью, которая может улучшить работу важных инструментов. Забавно, что практически во всех статьях, которые я видел на тему «золотого сечения» или «правила третей», используются такие иллюстративные материалы, что у любого более или менее творческого человека должен сразу возникнуть вопрос: «А это точно то правило, следование которому приведёт снимок к гармонии?». Но нет! Ничего, эти мифы живее всех живых, а люди, проповедующие их, порой выглядят как натуральная секта. 2.3. Снимки разглядываются так, как мы читаем, — слева направо. Часто правила опираются на то, что люди, дескать, воспринимают изображения так, как привыкли читать текст, — слева направо. Правда, ничего не видел о тех людях, у которых письмо направлено в другую сторону. Ну, не суть. Из этого постулата делают разные выводы: «Если на снимке присутствует только один объект, его желательно расположить с левой стороны кадра» — потому что, якобы, «Объекты, находящиеся в правой части изображения, человек замечает в последнюю очередь». Встречаются ещё утверждения, что «Движение слева направо, изображенное в кадре, усиливается из-за совпадения с направлением считывания, а движение справа налево, соответственно, замедляется» и уже совсем экзотические высказывания вроде такого: «Правая часть изображения, воспринимаемая в последнюю очередь, наибольшим образом влияет на конечное впечатление от снимка» и «Левая часть изображения ассоциируется с началом изображенного действия, а правая часть – с концом». Насколько мне известно, не существует ни одного научного исследования, которое бы подтвердило такие утверждения. А вот исследования, показывающее обратное, есть. Согласно им считывание слева направо — не более чем миф. 3. Мифы о фотопроцессе. 3.1 Все фотографы, снимающие голых женщин, трахаются с ними. Тема, которая постоянно всплывает при общении. Узнают о фотосессии и такие: «Снимал? Ну, и как она тебе?». И подмигивают так, мол, колись, давай подробности. Мне понравилось, как в свое время на такой вопрос ответил один мой друг и коллега, который тоже снимает обнаженную натуру: «Да! Да, я снимаю ню! Да, я сплю с моделью! Потому что тяжело не спать с ней, она же моя девушка!». На тот момент он был в отношениях с моделью, как вы понимаете. А если чуть более серьёзно, то люди занимаются сексом друг с другом не потому, что у них какая-то определенная профессия (порноактеров сейчас не рассматриваем, хотя даже они разделяют работу и занятие любовью), — а потому, что они нравятся друг другу. И хирург может спать с пациенткой, водитель — с пассажиркой, ресторатор — с ревизоррой, и так далее, и тому подобное. В том числе и фотограф с моделью. Но это совершенно не обязательно. Скажу даже больше: фотографирование — это довольно сложный процесс, в нем необходимо контролировать сразу много разных параметров. Это напряженная деятельность, требующая большого внимания. Тут нет места флирту, как нет его, к примеру, у зубного врача, делающего сложную операцию пациентке. Массажист на сеансе массажа, вы не поверите, делает массаж. Гинеколог не трахает своих пациенток, ему есть чем заняться на приеме. Проктолог… Впрочем, хватит: я думаю, вы поняли мысль. Поэтому на съёмочной площадке можно либо фотографировать, либо заниматься чем-то еще. Совмещение приводит к ухудшению обоих видов деятельности. Ни фотографий нормальных, ни отношений толком. И если вы думаете, что фотоаппарат на шее как-то сильно располагает моделей к сексу, то это примерно то же самое, что думать, что стетоскоп располагает пациенток к сексу с доктором. Хотите, чтобы к вашим ногам падали девицы? Купите себе нефтяную компанию, что ли. 3.2. Фотошоп — это зло. Ну это уже классика, вроде «iOS против Android» или «Canon против Nikon». Однако до сих пор не утихают бои на тему обработки. До сих пор есть люди, которые гордо пишут под фотографией «без Фотошопа», а теперь еще добавились надписи #no_filter в Инстаграме. Для фотографа это выглядит примерно как для повара — слова «Я приготовил этот борщ без соли, перца и специй». Круто, конечно, но зачем? Какой в этом смысл? И можно ли его после этого есть? Обработка — это неотъемлемая составная часть фотографического процесса, она возникла сразу после появления фотографии. В «пленочные» времена роль этого этапа играли выбор пленки, химия при проявке, «колдовство» в темной комнате при печати. Сейчас обработку позволяет делать софт внутри фотоаппарата и Фотошоп (или иные схожие программы обработки изображения). Обработка все равно происходит, хотите вы того или нет: либо вы делаете ее сами, в том самом Фотошопе, либо за вас ее делает программное обеспечение фотоаппарата. И какой смысл отказываться от управления процессом, если уж он всё равно будет? Зачем гордиться тем, что вы принципиально не стали обрабатывать снимок, пустили все на самотек и доверились программам фотоаппарата, которые пишут люди, далекие от красоты и эстетики? Пожалуй, понятными причинами отказа от обработки могут служить только тотальное незнание принципов этого процесса, лень и нежелание учиться. 3.3. Постановка — это отстой. Довольно забавный миф, который имеет свой ареал обитания: чаще всего он встречается на территории бывшего СССР. С чем это связано — пусть разбираются историки и психологи. Могу предположить, что времена социалистического реализма навязали людям стереотип, что поймать момент — это круто, а поставить кадр — фуфло. И вот понеслось: делают плохие снимки и в ответ на удивление хреновости кадра гордо так говорят, чеканя последние слова, как заклинание: «Ну что же вы! Это же не постановка!». Будто бы не постановка — поэтому и плохо. Была бы постановка — вообще шедевр бы получился! Полагаю, что мысли идут примерно по такому сценарию: «Непостановочное фото не требует каких-то расходов, затрат на свет, на модель, не надо договариваться, непостановочное фото — это 99% удача, остальное — умение фотографировать. Непостановочное фото — это просто, недолго, без заморочек. Хорошо, когда оно признано и им восхищаются: значит, сумел найти тот самый момент. Непостановочное фото обычно простое и нехитрое с точки зрения качества, это простое освещение, а значит, и придирки к нему быть не должно». При этом в кассы кинотеатров, в которых крутятся документальные фильмы, что-то особенных очередей не наблюдается. А вот в день премьеры долгожданного художественного фильма все бывает плотненько так: и очереди, и нехватка мест. Люди любят ходить на хорошее художественное — то есть постановочное — кино. Документальные ленты по популярности и рядом не стояли, даже если выполнены на высоком уровне. То есть фотография может быть хорошей или плохой. Торкает она или нет, заставляет задуматься или нет, рождает эмоции или нет — вот главные критерии. А постановочная она или нет — да какая, к лешему, разница? Хотя надо сделать оговорку, что речь идет не о журналистской работе. Тут, разумеется, достоверность важнее. В остальном преимущество непостановочного фото над постановкой — это миф.