Четыре портрета на фоне одной галереи

Однако любому залу, чтобы стать известным, необходим свой энтузиаст – "гений места", который создаст особую атмосферу, привлечёт достойных участников, наладит между ними диалог, даст импульс открытому (не замкнутому, как сейчас нередко бывает) существованию и взаимодействию с миром. С таким человеком, несомненно, повезло Выставочному залу "Галерея Чертаново" (при ГБУК г. Москвы "Центр культуры и спорта"): Наталья Волкова, заведующая отделом по эстетическому воспитанию, отлично разбирается в искусстве, а главное – чувствует и угадывает стоящее в искусстве современном. Ей удалось создать прецедент – в системе культурных досуговых центров организовать пространство, которое не ограничивается любительским уровнем и территориальной заданностью. Наталья не только продолжила культурно-просветительскую работу, начатую прежним руководством, познакомившим зрителя ещё в 1990-е (зал существует с 1992 г.) с творчеством таких художников как Виталий Линницкий, Борис Сафронов, Катя Медведева, Михаил Селищев, Нина Щербакова-Ионова, Михаил Кочетков. Она уже давно сама пишет историю выставок, расширив диапазон направлений и удерживая высокую планку. Её силами в "Галерее Чертаново" были организованы показы работ крупных мастеров совершенно разных школ: художницы-авангардистки Лидии Кирилловой из легендарной студии Элия Белютина "Новая реальность", знаменитых вхутемасовцев Владимира и Марии Фаворских, стоящей особняком Клары Голицыной. Зритель увидел картины постмодерниста Михаила Куприкова, японскую живопись Мидори Ямада и Ольги Селивановой, каллиграфию учеников Евгения Добровинского, гобелен Ирины Смагиной, лоскутное шитьё мастериц клуба-мастерской "Красный сарафан". Здесь, конечно, пробует силы молодёжь, заявляют о себе самодеятельные художники и экспериментальные арт-группы. Проходят в "Галерее Чертаново" художественно-поэтические вечера и мастер-классы. Поэтому, несмотря на кружковую направленность учреждения, земля быстро наполнилась слухами, и его выставочный зал стал очень популярным среди московских художников: желающие показать здесь свои произведения записываются теперь за полтора-два года. С 1-го по 12-е марта в галерее прошла ещё одна достойная внимания выставка "Взгляды", где совместно представили работы четыре художника: Елена Ширенина, Валентина Руднева, Светлана Кочеткова и Олег Осинин. Почему "Взгляды"? Потому что каждый хороший художник – это, прежде всего, особый взгляд на всё – на одного и того же человека, один и тот же цветок, здание, город, окружающий мир, явление. Особый взгляд предполагает избирательность: что выхватывает только он из великого множества предметов и явлений, что именно и как видит художник, отражая всё это своим внутренним миром, и есть главное, за чем мы идём на выставки. Елена Ширенина Место учёбы, год выпуска. Московский текстильный институт им. А. Н. Косыгина, ф-т прикладного искусства, 1985 г. Деятельность помимо художественного творчества. Педагог (преподаватель в художественном колледже), путешественник. Художники, которые вдохновляют. Кузьма Петров-Водкин, Ван Гог, Альбер Марке, Рауль Дюфи, Поль Сезанн. Любимая техника. Монотипия, масляная пастель. "Художник – это…" Внутренняя свобода. "Взгляды" Наталья Волкова организовала совместно с Еленой Ширениной, которая стала не только участником, но и куратором выставки, объединив в выставочном пространстве разных по исполнительской манере мастеров. Эта художница давно знакома московскому зрителю. Начинала как орнаменталист, затем писала маслом, сейчас Елена – развившийся, оригинальный график, автор очень интересной серии "Путеводитель странствующего художника". Путешествия стали для неё жизненной необходимостью, а впечатления от них – главным творческим материалом. Елена Ширенина путешествует по родной Москве, по России, Европе, и каждый раз затем появляется новый цикл работ. Она редко пишет с натуры: сначала погружается в атмосферу места, как поэт, напитывается ею (Елена и сама сочиняет стихи), и лишь после, оживляя ощущения с помощью зарисовок или фотографий, создает собирательные образы Москвы, Петербурга, Барселоны, Вены, других европейских и российских городов. Передать атмосферу места – главная задача мастера. В "Галерее Чертаново" можно было увидеть масляные пастели Ширениной из серии "Амстердам", монотипии по акварели из венецианского цикла, московские и подмосковные пейзажи, исполненные в смешанной технике и в технике монотипии. По словам художницы, монотипия как вид графики необыкновенно гибка и многогранна, потому так любима ею. Е. Ширенина. "Амстердам". Фото: cultobzor.ru Обычно на выставках и художественных ярмарках у работ Елены подолгу задерживается и всегда улыбается зритель. Неизменной любовью пользуются, в том числе, образы Москвы и Подмосковья – эти работы нежны, невесомы, наполнены особым светом и теплом, который может исходить только от родных мест. На открытии выставки "Взгляды" кто-то произнёс: "Как в детстве". Так и есть, работы Елены, будто иллюстрации из старых добрых книжек, хотя всё, что на них изображено, всё это – сейчас, пока существует: маленькие домики и дворики Маяковки, Таганки, усадьба Демидовых в Большом Толмачёвском, ожившая Коломна. Зрителю по-детски хочется попасть внутрь этих простых сюжетов, на узкие улочки, деревянные лавочки, стать теми лёгкими фигурами на картине, что идут мимо оград старых церквей и домов, покрытых шапками чистого снега или затенённых листвой. Портреты российских и европейских городов, которые создаёт Елена, удивляют сочетанием лёгкости и наполненности, смелым соотношением реального и условного, свободой авторского видения, где аутентичные дома и современные люди существуют в единстве. Многие её работы – оригинальные изящные коллажи из образов и смыслов, где диспропорция силуэтов зданий и людей лишь усиливает их выразительность, а стихи и цитаты из старинных сочинений задают объем восприятию. Понимаешь, что перед тобой сегодняшний день, но и будто присутствуют другие времена – от начала возведения этих стен, оград, с момента, когда были посажены эти деревья… В этом заключена своеобразная манера художницы, стилистика которой утверждает собирательный образ, акцентирует деталь, не приемлет "случайного". Е. Ширенина. На реке Руза. Фото: cultobzor.ru Не только полюбившиеся места, но и близкие и просто интересные автору люди – герои сегодняшних произведений Елены Ширениной. Каждый раз тема прочувствована ею изнутри, по-своему переработана натура. Технически Елена много работает над проблемой касания линии, над фактурой, продолжает осваивать многодельные техники, открывая богатые возможности монотипии, акварели, акрила, пастели. Особое внимание художница уделяет взаимодействию линии и пятна, а также композиции своих работ, где она свободно трансформирует пространство, совмещая разные линии горизонта. Всё это во многом обусловлено тем, что в основе творчества Елены Ширениной была и остаётся фантазийность, лёгкое дуновение которой ощутимо и в самой реалистичной из её картин. Валентина Руднева Место учёбы, год выпуска. Московская государственная художественно-промышленная академия им. С. Г. Строганова, ф-т монументально-декоративной живописи, 2012. Деятельность помимо художественного творчества. Вся жизнь – творчество. Художники, которые вдохновляют. Другой источник вдохновения. Любимая техника. Масло. "Художник – это…" Прежде всего, творец. Валентина Руднева – член Союза художников России, давно состоявшийся, но всегда пребывающий в творческом поиске живописец, экспериментирующий с цветом и композицией, эффектно сочетающий реалистичный подход с декоративной стилизацией. Любимый жанр художницы – пейзаж, а многие её работы – это праздничные образы современных городов, колоритные сельские виды и картины природы. Особое место занимает цикл работ о Москве, которая предстаёт величественной, крупным планом своих легендарных зданий, оживлённых экспрессией красного, на фоне живого, "кипучего" неба. Однако внимание столичной художницы направлено также вглубь России. Уже несколько лет Валентина – активный участник проекта Московского Союза художников "Пленэр. Русская провинция", название которого говорит само за себя: весной и осенью художники уезжают в творческие экспедиции по русским городам и сёлам, где знакомятся с историей места, проводят время в творческом общении, пишут на открытом воздухе, запечатлевая сегодняшнюю страну. По итогам таких поездок в Москве, а в последнее время и в провинции, в начале года проходят отчётные выставки – всегда запоминающиеся, стилистически разнообразные, с высоким художественным уровнем представленных работ. Фото: repetitors.info Жизнь провинции не первый век вдохновляет русских творцов, эта тема занимает отдельное место в истории искусства, и сейчас мы наблюдаем новый всплеск интереса к ней. Творчество Валентины Рудневой яркий тому пример. На выставке "Взгляды" были показаны её работы, написанные в рамках ещё одного интересного проекта "Липецкий пленэр". Всего восемнадцать человек принимают в нём участие ежегодно – по одному от каждого региона Центрального Федерального округа. В 2017 году на "XIII Липецком пленэре" Москву представляла Валентина Руднева. Выбор, конечно, был неслучайным. Живописцев направляли в Добринский район, где вместо романтичных старинных построек и красивого ландшафта их ожидали запустение, унылые, на взгляд обывателя, виды, к тому же на дворе стоял март. Справиться с такой задачей – увидеть во всём этом жизнь и красоту, найти нетривиальные образы, мог только сильный, по-настоящему талантливый мастер. Добринская земля на картинах Валентины Рудневой выглядит безлюдной, но отнюдь не замершей. Работы этого цикла реалистичны, на них изображено то, что отжило свой век: покосившийся элеватор, электрические столбы с обвисшими проводами, полусгнивший сарай, полуразрушенная церквушка, заброшенное поле с прошлогодней травой. Когда думаешь, что это нынешняя Центральная Россия, наша опустевшая плодородная земля, становится грустно и горько, но, как ни странно, от самих картин грустью не веет: в них чувствуется энергия жизни, минувшей, но ещё не остывшей; на них так много сияюще-серого неба, будто подсвеченного откуда-то из бесконечной глубины (такой эффект создаётся во многом за счёт исполнения работ на серебристом картоне – интересной творческой находки художницы). В отличие от многих произведений Валентины, где доминирует один яркий цвет – часто красный или синий, этот цикл выдержан в другой гамме, с преобладанием серебристо-серых и коричневых тонов и непременно с добавлением цвета, исключающего представление о тлении – розового. Фото: repetitors.info Были на выставке "Взгляды" и другие картины Валентины Рудневой: деревенский пейзаж с мартовской распутицей, труднопроходимой, но живой дорогой, ведущей к домам с разноцветными крышами; красочные башенки храмов в строительных лесах; притягательные декоративные натюрморты с цветами. Одна из самых замечательных работ выставки – "Дождь в Липецке". Восхитительный пейзаж при простом "наборе объектов": двухэтажные постройки середины XX века, пирамидальные тополя, извилистая дорога; несмотря на условность изображённого, нет сомнения, что это российский город. Очень тонко передан на холсте сам дождь: не каплями и струями, не столько лужами, потоками на дороге, сколько размытыми сквозь предполагаемую дымку дождя контурами деревьев и домов и жемчужным свечением неба, какое бывает лишь во время ливня, когда ещё не пробился, но уже стоит за облаками сгусток солнечного света. Это особое сияние – свечение – отличает многие работы Валентины Рудневой, исполненные на холсте и на картоне. По признанию художницы, она старается избегать вялых состояний, любит работать экспрессивно, на одном дыхании, больше всего ценит чёткое, меткое высказывание в произведении. "В цветовых пятнах и композиционных ритмах я стремлюсь отобразить энергию натуры, то есть саму жизнь, пульсирующую, динамичную, иногда спокойную, но всегда удивительную". Олег Осинин Место учёбы, год выпуска. Владивостокское художественное училище, 1982 г. Московский полиграфический институт, ф-т книжной графики, 1992 г. Деятельность помимо художественного творчества. Только художественное творчество. Художники, которые вдохновляют. Анри Матисс, Андре Дерен, Рауль Дюфи, Александр Ливанов. Любимая техника. Рисунок. "Художник – это…" Тот, кто может найти пластическую тему в обычной ситуации, кому понятна борьба количества чёрного и белого, красота формы и контрформы, ценность касания и жеста. Художественный график Олег Осинин – участник многих столичных выставок, член объединения "Московский эстамп" Московского союза художников. На протяжении нескольких он лет сотрудничал с "Издательством им. Сабашниковых", книги которого известны высоким качеством оформления и достойным содержанием. Занимался также рекламным дизайном. Произведения Олега Осинина – рисунки карандашом, кистью или чернилами, эстампы и офорты – отличает оригинальное авторское видение, динамизм образов, интересное цветовое решение. Многие посвящены Москве с её разноликой архитектурой, неповторимым сочетанием форм и объёмов. На рисунках этого цикла редки изображения людей, но город не выглядит статичным и пустынным – автором будто пойманы те редкие моменты, когда на улице не оказалось прохожих, и вот-вот кто-то снова появится из-за угла дома, выйдет из метро… В серии рисунков "Крым", исполненных цветными чернилами, характерный для творчества художника динамизм достигает своей кульминации. Композиционным центром произведения выступает образ южного дерева, от которого отталкивается и через которое происходит восприятие зрителем всего сюжета и атмосферы пейзажа. Устремлённые вверх перекрученные стволы можжевельника, изогнутые или распростёртые ветви сосны, доминирующие над маленькими фигурками людей внизу, морем вдали, белоснежными домиками на возвышенности и ведущими в гору лестницами, создают впечатление собственного движения, колебания ветвей на лёгком ветру, дыхания знойного дня. Автору удаётся достичь эффекта присутствия, который сильно отличен от такового, скажем, в современных гиперреалистических произведениях, здесь мы имеем дело с тонким художественным воздействием, оживляющим воображение и пробуждающим чувства за счёт пластических и колористических решений, энергетики взаимодействия отдельных частей рисунка. Вообще, все работы, выполненные Олегом Осининым цветными чернилами, отличаются особой эмоциональностью. Немалую роль играет здесь выбор цвета: художник редко использует яркие тона, обычно это оттенки коричневого или приглушённый синий. Интересно, что один из любимых художников Олега – Андре Дерен, у которого с отказом от яркой и контрастной палитры одновременно происходило усиление эмоциональной составляющей работ. У Осинина благодаря цветовым решениям достигается не только эмоциональность, но также внешний и внутренний динамизм образа. На выставке "Взгляды" мастер представил серию натурных портретов, большинство из которых тоже выполнены цветными чернилами: "Музыкант", "Лена", "Натурщица с корзиной", "Настя" и другие. Как выразился сам художник, для него работа с натуры – это повод найти в простой ситуации драматизм пластической темы, которую он обостряет. Например, женщина на рисунке "Лена" изображена сидящей на стуле, что само по себе задаёт композиции статичность, положение ног модели говорит об усталости, усиливая впечатление "остановки", однако в повороте корпуса и головы читается не просто совершённое движение, но готовность к новому, даже некоторое нетерпение, намерение вскоре встать после короткой передышки. Динамизм образу придают диагонально направленные складки одежды, линия причёски, а силу и энергичность женского образа подчёркивают вертикальные элементы интерьера и добавление в строгую палитру красного цвета. Интересно, что красным изображён самый "неподвижный" из всех предметов – стул. Несмотря на то, что использование в одной работе сразу нескольких ярких цветов в целом не характерно для творчества мастера, у него есть серия очень красочных эстампов "Рыбы", где доминируют желтый, красный и зелёный цвета. Для Олега Осинина ценно и первично мнение профессионалов, но это не значит, что ему не важен отклик обычного зрителя, ведь произведение, отделяясь от автора, начинает в итоге свою собственную жизнь и само "решает", для кого ему быть. К своему творчеству художник относится с известной долей иронии и наш разговор о нём завершает словами, что, вообще-то, хороший художник – это Матисс. Светлана Кочеткова Место учёбы, год выпуска. Московский государственный университет печати им. Ивана Фёдорова, ф-т художественно-технического оформления печатных произведений, 2004 г. Деятельность помимо художественного творчества. Педагог (руководитель студии "Эстамп" Центра эстетического воспитания "Мусейон" ГМИИ им. А. С. Пушкина), ювелир, актриса. Художники, которые вдохновляют. Пьер Боннар, Морис де Вламинк, Эдвард Мунк, Кокошка, Ирина Марц. Любимая техника. Живопись маслом, сухая игла. "Художник – это…" Тот, кто знает и любит то, что рисует; кто не копирует, а переосмысливает действительность. Быть художником – значит пройти непройденное, прожить другую жизнь. Ещё одной участницей "Взглядов" стала молодая и очень одарённая художница Светлана Кочеткова. Она представила четыре масляные картины: "Дом с птицами", "Венеция", "Люди в таверне" и "Зимняя дорога". С. Кочеткова. "Август. Белые цветы". Фото: favartgallery.com/kochenkova Светлана уверенный, зрелый мастер, уже несколько лет сама обучает искусству детей, руководит детской студией эстампа при ГМИИ им. А. С. Пушкина. Вместе с тем, по её неизменно качественным, но очень разным работам видно, что она пока обретает собственную художественную манеру. Это впечатление отчасти подтверждают слова самой Светланы: "Мне часто кажется, что я пишу, как несколько разных художников". Как знать, может, в этом заключена ещё одна, парадоксальная особенность этого живописца, и всё же нет сомнений: на наших глазах рождается отчётливо самобытный автор, уникальный почерк, о чём говорят такие произведения как "Зимняя дорога" или "Август. Белые цветы", "Разнотравье" (последние две работы представлены в "Галерее Favart"). В основе этих, как многих других, работ Светланы Кочетковой – красота привычного, обыденного. Открытие, оживление, высвечивание этой красоты. В городском пейзаже "Зимняя дорога" изображён спальный район Москвы: легко узнаваемые типовые дома и низенькие гаражи под шапкой снега, по-современному обрезанные деревья, поворот дороги. Закатное солнце короткого зимнего дня, невидимое на картине, преображает всё видимое, пробуждая к жизни множество цветов и оттенков – от розового до тёмно-зелёного. Они сияют и преломляются, играют на снегу, стенах и в окнах домов, меж ветвями деревьев. Яркой синевой отвечает невидимому солнцу небо в просвете между домами. Заснеженная дорога пестреет следами недавно проехавших машин. Почти такой же невидимый, как солнце, наблюдатель смотрит на всё это откуда-то сверху – быть может, из окна второго или третьего этажа. Он так же, как мы на картине, видит обычный, ежедневный мир полным жизни и радости. Картина заставляет вглядываться в себя, и по мере вглядывания "оживает" всё больше – в разных местах замечаешь фигурки людей, оказывается, их здесь немало. В своих работах Светлана Кочеткова стремится к сочетанию множества объектов, подробностей. "Когда картина ткётся из большого количества деталей, мазков, образов людей, я получаю эстетическое удовольствие", – признаётся художница. Её картины не кажутся остановленным мгновением и не напоминают о скоротечности жизни, скорее, наоборот, создают впечатление долго или вечно длящейся жизни. Неслучайно во многих городских пейзажах (таких как "Фонтан", "Генуя. Последние лучи солнца") время "размыто" в пределах нескольких десятилетий, а в природных и вовсе неопределённо, словно растянулось на множество сотен или даже тысяч лет. К последним относятся две удивительные работы, упомянутые выше – "Август. Белые цветы" и "Разнотравье". "Белые цветы" – это не хризантемы, лилии или хотя бы ромашки, как можно предожидать из названия. Ты узнаёшь их сразу, но в первые секунды не веришь своим глазам: отцветающий осот в шапках пуха с семенами, отчаянный сорняк российский полей. Красота, таившаяся в простом и привычном, вдруг вспыхивает перед тобой непредвиденной роскошью и благородством, поднимая из глубин души волну ликования. Это, действительно, ново – с таким художественным размахом изобразить сорное, подножное растение, это принципиально иное видение дикого и мало кому интересного. Осот безраздельно царит на полотне, воплощая не только первобытную красоту природы, но и могучую силу жизни, её августовский апофеоз. Солнечный, чуть ветреный день, на дальнем плане картины еле различимы изгородь и избушка неопределённой эпохи. С. Кочеткова. "Разнотравье". Фото: favartgallery.com/kochenkova Образы древних луговых трав во всей своей жизнеутверждающей силе запечатлены в работе "Разнотравье". Здесь и вовсе не определить, в каком веке или тысячелетии они цветут. Одно из ключевых ощущений от обеих картин – полнота: образа, жизни, палитры, чувства. Природа выступает не фоном и не "одним из героев". Самоценная, она заполняет собой всё полотно и целиком захватывает восприятие смотрящего. Технически работы сочетают два подхода, которые Светлана мечтает объединить в своём творчестве – живопись пастозную и более графичную, как, например, у Макса Бекмана. Немало работ художницы выполнены в технике сухая игла, иногда в сочетании с монотипией. Светлана Кочеткова – тонкий колорист, умеющий создать атмосферу пространства, а главное, увидеть привычное свежим и полным любви взглядом. Отрадно, что эти качества она раскрывает не только в живописи, но и в других видах творчества – ювелирном деле и актёрской игре (уже несколько лет Светлана занимается и выступает в постановках театральной студии "Чехов и Станиславский"). Какими бы разными ни были художники, представившие картины на выставке "Взгляды", их всех объединяет дух открывателя, потребность в художественном эксперименте. В своих интервью, данных в разное время автору статьи, не сговариваясь, они выразили нечто общее, сказав, по сути, одно и то же: принципиально важно не копировать, а переосмысливать реальность и, пропуская её через себя, находить в итоге образ-символ (Валентина Руднева), особую пластическую тему (Олег Осинин), собирательный образ (Елена Ширенина), образ-отклик внутреннего опыта на внешний мир (Светлана Кочеткова). По большому счёту, это ведь главное, что отличает истинного художника во всех видах искусства, не только в искусстве изобразительном. Каждый из художников – очевидная индивидуальность, с хорошо осознаваемыми творческими целями, настоящими и, без сомнения, будущими достижениями. Уже сейчас работы Елены Ширениной, Светланы Кочетковой и Олега Осинина находятся в частных коллекциях в России и за рубежом, а картины Валентины Рудневой – в нескольких отечественных музеях (в том числе Серпуховском историко-художественном музее, Липецком областном художественном музее, Всероссийском историко-этнографическом музее г. Торжка). С. Кочеткова. "Венеция (Синяя)". Фото: favartgallery.com/kochenkova В последнее десятилетие наблюдается заметный подъём интереса к изобразительному искусству. С чем это связано, сложно сказать. Возможно, с тем, что формально оно молчаливо; что искусство не лжёт, а художественная правда всегда убедительнее правды сиюминутной. Художник не просто свидетель времени, он его эмоциональный, неравнодушный свидетель, и даже самая фантастическая из картин является документом эпохи. Произведение искусства сохраняет в образах своё время или представления своего времени, но не менее важно и то, что так или иначе оно запечатлевает личное, человеческое отношение к тому, что есть и что происходит, и это тоже когда-то будут считывать наши умные потомки. На открытии выставки Наталья Волкова говорила о том, что "взгляды" четырёх непохожих художников сосуществуют в выставочном пространстве в совершенном ладу, не противореча, не перекрикивая, не споря друг с другом, что это редко и ценно. Что творцу очень важно, учитывая неизбежную сосредоточенность на своём творчестве и, как следствие, известную замкнутость на себе самом, уметь видеть и ценить себе подобных, в том числе тех, кто работает в отличном от твоего направлении, с другим подходом, предлагая иную философию. Пожелаем этого и всем остальным, обычным творцам своей жизни.